Edad Moderna y Contemporánea - 2do año.

• Renacimiento Desde fines del siglo XII comienza lentamente la transición de la Edad Media al Renacimiento, que estará dado básicamente en un cambio de pensamiento y en la forma de vivir del hombre basado en la difusión de las ideas del humanismo.
  
  Italia, con su revolución artística, será cabeza del mundo moderno. El bizantinismo de principios de siglo XIII, repetía mecánicamente, signos convencionales, formas estereotipadas y rígidas, será desplazado paulatinamente por la originalidad de algunos artistas que comienzan a abandonar esas maneras de representación.
  Fue un re-descubrimiento de todo el arte greco-latino. Nació como un gran amor por todo lo griego, duró 130 años y nació en Italia.-Fue en allí donde primeramente el sistema feudal dio paso al capitalismo de la burguesía. Las rutas comerciales pasaban por distintas ciudades italianas como Génova, Roma, Venecia acumulando día a día más capital,es por ello que se considera que en Italia nació el capitalismo primitivo. También a Roma los Papas deciden reconstruir la ciudad y emplean y contratan a diferentes artistas.-
  Al convertirse en la cuna del capitalismo se realizan todo tipo de operaciones bancarias y financieras. Hablan de dinero y gran parte de ello se destina al 
  
  Giotto: "Llanto sobre Cristo muerto".- Giotto di Bordone (1266-1337).
  
  El gran iniciador del Renacimiento italiano, y el primero en librarse de la influencia bizantina y expresarse en lenguaje artístico. Características: en el uso del color utiliza tonos nuevos, en sus cielos aparece siempre el azul oscuro, utiliza la luz y la sombra inspirándose en la naturaleza, desarrollo en la corporeidad de los seres y las cosas representadas, claridad en sus imágenes. Sus obras se caracterizan por un gran espíritu de humildad; es grave, reservado, lógico fácilmente comprensible porque expresa más el lenguaje popular que el culto
  Su composición está constituidas por figuras simples que no están pegadas sobre el fondo en forma mecánica, sino que se sitúan en paisajes o en arte como forma de popularidad política entre las familias más adineradas. Muchas de las palabras actuales como crédito, cheque, cuenta, giro, bancarrota han nacido en estas interiores ilusorios.
  Sus principales temas muestran la vida de san Francisco de Asís; San Juan Bautista, San Juan evangelista, en las Capillas de Bardi y Perruzi, en la Iglesia de Santa Croce, en Florencia, y la vida de Joaquín y santa Ana, en la capilla de Arena , en Padua (Italia).
  
  
  
  El denominado Quattrocentoo, comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
  La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecentto, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el primer cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo.
  Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI. Las dos ciudades más importantes para este desarrollo fueron Florencia (Firenze) y Roma.
  El Duomo (Catedral) de Florencia, Santa María del Fiore (foto), se encuentra en el centro del casco antiguo, su gran cúpula 45 m de diámetro y 100 de altura, diseñada por Brunelleschi, uno de los más grandes arquitectos renacentistas, creador de la perspectiva cónica, sistema de representación gráfica basado en la proyección de cuerpos tridimensionales en el plano bidimensional.
  
  
  
  La Pintura: En el Renacimiento la pintura se destaca sobre todas las demás artes, los muros de las iglesias se recubren de grandes murales (influencia dada por Giotto más de 100 años atrás). La técnica fue la pintura al fresco hecha sobre la pared húmeda, previamente preparada con cal; los colores(pigmentos) se disuelven en agua de cal y se aplica con rapidez sin dar tiempo a que la capa se seque para evitar las manchas. En cuanto a la variedad de colores es escasa. Pero otra técnica, el óleo en la cual los tonos se disuelven en aceite, permitió a los artistas un tiempo mayor de ejecución, riqueza cromática mucha más amplia con posibilidad de retoques se utilizó como soporte la tela, llamándose pintura de caballete. La pincelada es lisa y los pinceles utilizados son blandos. Tema: Los temas representados en esta época fue de carácter religioso, retratos, cortesanos, escenas de batallas. La luz es fija, amarillenta , aparece el claroscuro y se define los contornos.
  
  
  Artistas del Alto Renacimiento
  Brunelleschi Filippo 1377-1446 Escultor y orfebre florentino, maestro indiscutible de la arquitectura realizada con nuevos cánones estéticos inspirados en el mundo clásico. Creador de la perspectiva y sus leyes. Obras realizadas entre los años 1419-1446: La iglesia de San Lorenzo, La Capilla de los Pazzi, La Iglesia de Santo espíritu, Y la Cúpula de Santa María de las Flores (Duomo) Catedral de la iglesia donde fue el único laico en ser sepultado.
  Ghiberti Lorenzo 1378-1455
  Florentino, escultor por excelencia de relieves , arquitecto, pintor y habilísimo orfebre también fue escultor y dejo incompleto un manuscrito que lleva por título Comentarios . En 1401 gana el concurso para realizar la segunda puerta de Baptisterio de San Juan(Florencia). A la realización de 28 paneles de dicha puerta se dedico casi 20 años de su vida “La Puerta del Paraíso” La puerta se divide en 10 paneles con bajorrelieves en bronce donde representa escenas del Antiguo Testamento:
  “la creación de Adán y Eva, el pecado original y la expulsión del paraíso terrenal”.
  “Sacrificio de Noé y su familia. al salir del arca, la embriaguez de Noé”…..
  
  
  
  Masaccio 1401-1428
  
  
  "Expulsión del paraíso"
  Poco se sabe de la formación y de la vida de Masaccio. Lo que es indudable que junto con Brunelleschi y Donatello fue uno de los artífices de esa revolución artística que caracterizó a Florencia de principios del siglo XV, preludio del humanismo. Masaccio colaboro pintando junto a Masolino en la Capilla de Brancaci en la iglesia del Carmine, punto de referencia para toda la sucesiva pintura renacentista.
  
  
  
  Donatello 1386-1466 Escultor
  Nació en Florencia. Su formación fue en su ciudad natal, donde trabajo primero como aprendiz y luego como ayudante de Ghiberti; fue amigo de Brunelleschi y Michelozzo. A partir de 14087 trabajó para la obra de la Catedral, distinguiéndose por la expresividad y plasticismo en sus esculturas. El David (en bronce)
  
  
  
  Botticelli (1445-1510)
  Alejandro Filipepi pertenece a la escuela florentina. Su carácter inquieto y nervioso se pone de manifiesto a través de la pinceladas, su línea rítmica y musical; con ella define los perfiles, marca un estilo en los rostros y manos y pone en movimiento los velos. Hacia su edad madura se hace más áspera y arrebatada su tensión lineal y los colores son de mayor contraste creando un clima dramático que deja atrás la dulzura de su juventud. Sus imágenes son de inmaterial belleza, sus madonas poseen una forma ovalada en sus rostros de melancólicos párpados bajos y labios debilitados, sus santos no gozan de un físico saludable. Las formas son alargadas, sinuosas, el detalle tratado es  minucioso
    En sus composiciones representa la hierba, la flores, los tejidos y as joyas, las figuras permanecen ajenas al tiempo como inmersas en un ensueño. "El Nacimiento de Venus "Según". Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.
  A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro(Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres.
  El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico, Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin embargo, al prototipo de belleza botticelliana.
  
  
  Otros artistas renacentistas
  Domenico Ghirlandaio (1449-1494)
  Verrocchio (1430-1488)
  León Batista Alberti (1440-1472)
  Arnolfo Di Cambio (1245-13029)
  Fra Angélico (1400-1455)
  Filippo Lippi (1406-1469)
  Paolo Uccello (1397-1475)
  Giorgo Vasari (1511-157
  Benvenuto Cellini (1500-1571
  
  “Perseo” (con la cabeza de Medusa)
  
  
  
  
  Miguel Angel Buonarotti 1475-1564
  Escultor, pintor, arquitecto y poeta, nació en Caprese (Toscana) y vivió en Florencia hasta 1494 este polifacético artista fue discípulo de Ghilandaio pero su aprendizaje duró menos de un año, pasando a la protección de Lorenzo(el Magnífico)de Médicis y posteriormente a Roma donde contó con el apoyo incondicional del Papa Julio II y sus sucesores. Miguel Ángel un hombre inquieto y dramático, genio! vuelca en sus obras toda su agitación espiritual y los temores.
  
  
  
  
  “La Piedad” esculpida a a los 24 años de edad, fue reconocida inmediatamente como una auténtica obra maestra, representa a Cristo muerto tendido sobre las rodillas de su madre quien sostiene su carga sin parecer abrumada; se destaca la anatomía del cuerpo de Cristo sin vida, con los contornos torneados sin menor rigidez; la posición de los hombros y la caída de la cabeza conmueve por su expresión de dolor. La madre María se inclina sin lágrimas y su mano entre abierta remarca el dolor del cuerpo de Cristo. El desarrollo de los pliegues es extraordinario, recordando que esta obra escultórica esta realizada en mármol.- única obra firmada debido a que al cobrar popularidad muchos se artistas se adjudicaban su autoría, se encuentra en el Vaticano (Roma), LA CAPILLA SIXTINA de Miguel Ángel Buonarroti.
  La capilla Sixtina tomó nombre del papa que mandó construirla en 1473: Sixto IV. Aun cuando los planos los hizo el arquitecto Baccio Pontelli, fue construida por Giovannino de Dolci. Es famosa por los frescos pintados por Miguel Ángel en el techo de la capilla, el Juicio Final en la pared del altar (donde previamente estaban otros de el Perugino; famoso pintor renacentista italiano también) y otros frescos en las paredes laterales de Signorelli, Perugino, Botticelli... y otros autores renacentistas.
  
  La Capilla Sixtina de Miguel Ángel
  La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición.
  
  En 1508 el papa Julio II encargó a Miguel Ángel pintar la bóveda. La preparación de la bóveda se inicio el 10 de mayo de 1508, fecha de la firma del contrato. Hasta principios de enero de 1509, el artista debió de estar haciendo bocetos y preparando los cartones, iniciando a partir de fines de 1509. Una primera sección que emprendería la Embriaguez de Noe, el Diluvio y el Sacrificio de Noe, junto con Zacarias, Joel, la Sibila Délfica, Isaías y la Sibila Eritrea, los correspondientes Ignudi, David y Judtih en las esquinas y los lunetos de los antepasados.
  La segunda seccion, debió de realizarse entre 1509 y 1510 y comprendió la Caída y Expulsión, y la Creación de Eva, Ezequiel y la Sibila Cumana, junto con los correspondientes Ignudi y los dos lunetos adyacentes. Escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.
  
  La tercera sección se realizo en 1511, y comprendía las cuatro últimas historias: Daniel, la Sibila Pérsica, la Sibila Líbica, Jeremías y Jonás, con sus Ignudi, los correspondientes lunetos de los antepasados y en los ángulos la Crucifixión de Aman y la Serpiente de bronce. La cuarta sección, realizada entre 1511 y 1512, comprendía todos los lunetos de los muros.
  
  La representación del Juicio Final, fue encargada por el Papa Clemente VII, pero al fallecer éste, la obra quedo suspendida puesto que Paulo III retiro el encargo, que se continuará a partir de 1535 a 1541. El programa aquí representado no fue de libre elección por parte del propio pintor sino que le vino impuesto.
  
  Miguel Ángel siguió de esta manera las bóvedas de los monumentos romanos, cubriendo con su pintura todo el espacio, tratando de engañar al espectador. Los trabajos se iniciaron desde el muro situado frente al altar mayor que más tarde sería decorado con el Juicio, apreciándose en el sentido inverso al que aparecen en el Génesis. Esto ha sido interpretado por algunos especialistas como el retorno del alma hacia Dios, relacionándose con la filosofía neoplatónica que Buonarroti conoció en el palacio de los Medici.
  El programa iconográfico que observamos en la decoración no surgió del pintor ya que debió ser consensuado con el pontífice y asesorado por alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva del papa. El resultado es una de las obras maestras de la pintura, recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores.
  
  Como es característico en todas las obras de Miguel Ángel resalta la maravilla y la fuerza del color sin olvidar su admiración por la anatomía humana desnuda presente en todo el proyecto y que le costó serios disgustos debido a la inmoralidad de los desnudos. Supo incorporar el espíritu de la Antigüedad clásica a los temas bíblicos cristianos. Con Miguel Ángel se produce la destrucción del clasicismo, se tiende al manierismo (movimiento puente entre el renacimiento y el barroco). Típico de él es la eliminación del paisaje, la exaltación de la fuerza física y moral, gran vigor, escorzos violentos y enormes proporciones, gigantismo. En estos frescos se observa un elemento muy utilizado por él: la cuadratura, que consiste en fijar en la pintura una arquitectura fingida. En su obra dibuja arcos, pilastras y con esto divide las distintas escenas. Miguel Ángel lo pinto él solo sin aceptar ayuda subido en un andamio construido por él mismo.
  
  
  
  “El David” 4.37cm. de altura, escultura renacentista monumental,
  
  Mediante el arte Miguel Ángel expresa sus ideas, con un gran contenido espiritual dejando de lado el aspecto exterior de la realidad. Su formación fue clásica, es decir que se ha formado estudiando a los el arte greco-romano.
  
  
  
  
  
  
  
  
  Trabajo Practico: Miguel Ángel Buonarrotti
  Alumnos de 2do año "a" y "b"

1. ¿Quién fue Miguel Ángel Buonarroti y como fueron sus años de juventud?
2. ¿Cuáles fueron sus primeras obras escultóricas? Mencionarlas e imprimir la imagen.
3. En su estadía en Roma.¿ Que trabajos realizó? Imprimir imagen.-
4. En Florencia. Cuál fue la obra que le dio reconocimiento total a Miguel Ángel?¿Porqué y que sucedió? imprimir imagen.-
5. Cuál fue el proyecto que le encargaron Los Medici? ¿Qué sucedió finalmente?
6. La "Capilla Sixtina" fue su gran obra pictórica.¿ Donde se encuentra?- Imprimir la imagen y describir cuales fueron los temas que plasmó en cada uno de los paños?
7. ¿Qué otro fresco realizó Miguel Ángel dentro de la Capilla Sixtina, y que representaba?
8. Como arquitecto. ¿Qué importante obra arquitectónica diseño?
9. ¿Qué representaban "los esclavos" de Miguel Ángel?
10. ¿Cuál fue su última obra escultórica?

Leonardo Da Vinci 1452-1519
Hijo natural (ilegitimo) de un notario, abandono su ciudad natal (Vinci) a los 16 años para trasladarse a Florencia, donde frecuentó el taller de Verrocchio. Su ansia de conocimientos y su espíritu inquieto lo llevo a ser el hombre del renacimiento. Trabajó en Milán al servicio de los Sforza, luego Mantua y Venecia pasando por Florencia. En 1516 se trasladó a Francia, a la corte de Luis XII Y Francisco I _ donde murió- . Leonardo se dedicó a las artes, a la física, matemáticas, a la biología, anatomía, ingeniería, y la hidráulica, revelándose como escultor, arquitecto, científico y escritor, es decir, la personalidad más genial y polifacética del Renacimiento.


El esfumado (del italiano Sfumato) es una técnica de pintura que inventa Leonardo, se obtiene superponiendo varias capas (veladuras) de pintura (óleo)extremadamente delicadas y transparentes, proporcionando a la composición unos contornos muy suaves, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar un efecto atmosférico, y de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista.




La Gioconda conocido también como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa. Desde el siglo XV es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.


Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm., pintado entre 1503 y 1506,y retocado varias veces por el autor.
El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Leonardo ha escrito a lo largo de su vida 6000 manuscritos que fueron hallados en el siglo XX:

Anatomía
Se propuso reunir un tratado de 120 capítulos, cuya veracidad él mismo comprobó haciendo la disección de cerca de 30 cuerpos humanos. Se trata de estudios realizados sobre los órganos respiratorios, el corazón, las vísceras abdominales, los órganos genitales, el embrión, el corazón, los vasos , los músculos y los nervios.

Concibió los huesos de las manos y piernas como palancas, accionadas por unas líneas de fuerzas llamadas músculos, así demostró con exactitud como se podía doblar un brazo.

Logró deducir, desde el punto de vista fisiológico, las leyes generales de la mecánica muscular. Fue el primero en colocar la pelvis en la posición oblicua que efectivamente ocupa, y en diseñar la forma exacta del tórax. Su descripción del corazón es casi perfecta

Hidráulica y Navegación
Se sintió atraído por el estudio del agua, elemento creador y destructor por excelencia. Sus observaciones le sirvieron para el estudio teórico de los fenómenos hidráulicos y su habilidad en el terreno de la mecánica

Arte Militar


En sus planos de maquinas bélicas. Leonardo demuestra una constante preocupación por obtener progresos mecánicos. perfeccionó las armas de la época - las hondas y catapultas - Sus ametralladoras, cañones de vapor y cañones cargador por la culata representan un gran progreso en el arte de la guerra.
El Tanque de guerra: provisto de cañones de retrocarga. Se desplaza sobre 4 ruedas independientes, con tracción humana.

La maquina de volar
Entre 1492 y 1505, las páginas de sus se llenaron de diseños y comentarios sobre la estructura de las alas y el comportamiento, en el aire, de pájaros, murciélagos e insectos. Llevando a la práctica estos estudios teóricos, logró establecer y perfeccionar en forma gradual los planos de diversos modelos de maquinas de volar. Su maquina voladora fue el Ornitóptero.
Esta maquina se componía se un marco de madera, 2 grandes alas, un sistema de cuerdas y poleas y un especie de cabrestante. El aeronauta, sujeto al marco horizontal, con los pies colocados en los estribos de cuero que se comunicaban con las alas mediante unas poleas, debían mover alternativamente ambas piernas, de arriba hacia abajo para poner las alas en funcionamiento. Al mismo tiempo debía accionar el cabrestante con los brazos y guiar el aparato.

Leonardo logró descubrir el principio mismo de los aviones actuales: la resistencia del aire, que sostiene el aparato en el espacio. 200 años antes Newton, descubrió el principio de la igualdad entre acción y reacción. Si bien sus esfuerzo a concluyeron en fracaso, ello se debió a la imposibilidad de obtener una fuerza motriz de potencia suficiente.

Paracaídas: La "carpa" piramidal, como la llamaba Leonardo, parece haber sido experimentada con éxito en la época, desde lo alto de una torre construida para tal fin.


Las investigaciones de Leonardo lo llevaron a anticipar muchos grandes descubrimientos, incluyendo los adelantos de Copérnico, Galileo, Newton y Darwin:

40 años antes de Copérnico - Da Vinci escribió, en letras grandes para destacarlo, "IL SOLE NO SI MUOVE", "el Sol no se mueve". "la tierra no está en el centro del Sol ni en el centro del universo"

60 años antes de Galileo - Sugirió que se empleara una "gran lente de aumento" para estudiar la superficie de la Luna y otros cuerpos celestes.

200 años antes de Newton - Anticipándose a la teoría de la gravedad, Leonardo escribió: "Todo peso tiende a caer hacia el centro por la ruta más corta posible". Y añadió luego "toda sustancia pesada hace presión hacia abajo y no puede sostenerse erguida perpetuamente, la Tierra toda debe volverse esférica"

400 años antes de Darwin - Leonardo ubicó al hombre en la misma amplia categoría de los micos y los gorilas y escribió: "El hombre no se diferencia de los animales excepto en lo que es accidental"


Frases de Leonardo Da Vinci

"Los cinco sentidos son el ministro del alma"

"Considerad la esperanza o el deseo de volver a nuestro lugar de origen o de regresar al caos primordial, como el de la polilla que busca la luz, o el del hombre que siempre mira hacia adelante, hacia cada nuevo verano, con nostalgia perpetua... creyendo que las cosas que anhela se tardan demasiado; y sin darse cuenta de que anhela su propia destrucción. Pero este anhelo es en su esencia el espíritu de los elementos que, habiéndose hallado prisionero dentro de la vida del cuerpo humano, desea incesantemente regresar a su fuente. Y debo deciros que este mismo anhelo es en su esencia inherente a la naturaleza"

"¡Oh necesidad admirable! ¿Qué mente puede penetrar tu naturaleza? ¿Qué lengua puede expresar esta maravilla?. Ninguna, con certeza. Es aquí donde el discurso humano se eleva hacia la contemplación de la divinidad" -
Sobre el milagro del ojo humano."

"Pues el gran amor nace de un gran conocimiento del objeto amado"

¿Cómo analizar una obra?
Para analizar una obra ya sea pictórica o escultórica en necesario tener en cuenta algunos puntos, como son:

• Tema: Todos los cuadros poseen algún tema o motivo específico o no, cada uno de los cuales transmiten un mensaje a menudo fácil de reconocer, muchas obras antiguas contienen temas religiosos, pasajes bíblicos o profano.- (representaciones sobre la mitología greco-romana). Recordemos que ya en el siglo XX, aparece un lenguaje llamado abstracción que presenta los elementos plásticos (la forma, la línea, el color..) como protagonista y sin ningún tipo de condicionamiento temático.
• Simbolismo: muchas obras utilizan un lenguaje simbólico y alegórico, es decir que los objetos no representan sólo su forma física, sino que encarnan conceptos muchos más profundos.
• Estilo o escuela: todos los períodos históricos han generado una forma, un estilo, una manera, una escuela en la obra de sus artista.-
• Técnica: la comprensión de las técnicas empleadas en una obra de arte ayuda a entenderla y apreciarla. ej. retablo: obra arquitectónica realizada sobre madera o piedra que compone la decoración de un altar; Fresco: pintura realizada sobre un revoque aún fresco (cal + arena+agua+pigmento); óleo obre madera o tela (pintura creada en el siglo XV), acrílico( pintura plástica) creada en el siglo XX, collage: técnica utilizando diferentes elementos en la misma obra.
• El espacio y la luz: los artistas buscan plasmar sus ideas, su mundo... sobre superficies planas (pintura); la escultura en el espacio tridimensional; la diversidad de formas, que dan ilusión o no a la profundidad en la superficie.- El siglo XX se a encargado de estudiar la planimetría ya que fueron muchos los años que los artistas han desarrollado la perspectiva (técnica) que se utilizó y se utiliza para darle una ilusión de profundidad al plano.-
• Interpretación personal: cada espectador tendrá su interpretación personal sobre la observación de cualquier obra, estará en relación a su sensibilidad como observador, su capacidad de contemplación, su capacidad de análisis crítico, su formación personal, sus experiencias personales. Todo aquel que se lance a explorar los significados de una obra quedará sorprendido por la multiplicidad de puntos de vista que se le ofrece, de secretos, de genialidades, de sorpresas.