Barroco- 2do año T.P.

  

 La vanitas es un género dentro del género del bodegón o la naturaleza muerta, bien característico del Barroco. Es la representación de lo efímero de la vida, lo pasajero, la insignificancia de las cosas materiales y los placeres terrenales.

Trabajo realizado por los alumno/as de 2do año Lenguas. 2021



Barroco:
llamamos Barroco al perìodo històrico, artìstico y cultural caracterizado por una gran exuberancia manifestada en el arte, la literatura, la música y la arquitectura abarcando los perìodos XVII y XVIII.

El barroco surge en Italia extendiédose al resto de Europa y América. 


A continuación, los principales exponentes:


 

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA y ESCULTURA BARROCA. Siglo XVII.

 

 

        La composición plástica en las obras Barrocas (asimétricas) difieren completamente de las Renacentista ya que adquieren un dinamismo extremo producido por la diagonal y la forma elicoidal, como elementos constitutivo, liberándose de la simetría heredada del Renacimiento (se desechan los esquemas horizontales y verticales del periodo anterior), en favor de la expresividad y el movimiento.

        Las formas son voluptuosas, exageradas, cargadas de recursos plásticos.

        Se busca representar la realidad mediante un acentuada evocación, de escenas de la vida y alegorías, utilizando todos los recursos plásticos y temáticos

        EL dominio magistral de la luz, que predomina sobre toda la composición, y hunde partes del cuadro en las sombras (lo que se conoce como tenebrismo). El color se convierte en el principal protagonista de la pintura, dejando definitivamente al dibujo en un segundo plano. Los contornos se esfuman.

        El dominio de la tercera dimensión, del volumen y la profundidad, es absoluto.

        Durante el Barroco la técnica protagonista es la pintura al óleo sobre lienzo.

        Los temas favoritos deben buscarse en la Biblia o en la mitología grecorromana; también es el momento de esplendor del retrato; además se desarrollan otros temas nuevos, como el paisaje, ahora como género completamente independiente, las marinas, los bodegones y naturalezas muertas.

        Las dos raíces históricas del arte barroco, el absolutismo monárquico y la contrarreforma católica, tuvieron su reflejo también en pintura. En el caso español, este arte alcanza su máximo desarrollo, no superado en el resto de naciones europeas. Junto a la española, las otras dos escuelas de pintura barroca que lograron renombre perdurable son la escuela flamenca (Rubens) y la escuela holandesa (Rembrandt).

        En el norte de Europa, las características del Barroco se trasladaron a la pintura, representando escenas de la vida campesina, paisajes, bodegones.

 

Artistas:

 

 

De la Edad Media al Renacimiento. 2do año.















A finales del siglo XII comienza la etapa de transición de la Edad media al Renacimiento. Transición lenta, porque los cambios se producen lentamente en el orden económico que influirá en el pensamiento del hombre y por ende en su manera de vivir.-
Existieron tres factores importantes para que esta revolución artística y económica sucediera:
  • La Industria
  • El comercio de tejidos
  • Operaciones bancarias
Industria textil
"Calimala" se llamaba a la confección de telas importadas de Francia y Flandes.
"La lana" era importada de Inglaterra y Francia, se manufactura en Florencia. La lana era el elemento más importante en la vestimenta del ciudadano medieval.
Los ciudadanos florentinos que eran industriales resultaron también ser banqueros poderosos. La oficinas comerciales de los industriales eran a la vez bancos de cambio. Todo era manejado por los mismos hombre como la producción, comercio y préstamo. También adquirieron grandes propiedades de campos que habrían pertenecido a la nobleza feudal.
Los banqueros de Florencia manejaban las finanzas de las más importantes cortes extranjeras dándole dinero que solían necesitar.
También surgieron los gremios que eran asociaciones religiosas de origen europeo. Fueron importantes los gremios de alfareros, caldereros, . herreros, y los llamados Cinco Gremios Mayores que eran los Joyeros, Merceros, Pañeros y Drogueros. El estado feudal pasó a ser un estado capitalista cívico.-El papado de manera indirecta creaba modernos bancos europeos. El Diezmo anual al Papa fue fuente de prosperidad para las bancas florentinas.- Estas bancas florentinas era un sistema financiero creado bajo normas capitalistas otorgándoles adelantos de dinero, créditos, préstamos, pago de intereses, fue la base fundamental de este sistema económico llamado Capitalismo primitivo.


Pintura Medieval
La pintura medieval es sobre todo una pintura religiosa (arte religioso) salvo excepciones, que se hacen más numerosas al final de la Edad Media. Arte Medieval: abarca un prolongado período de la historia desde el Siglo V ( 476 Caída del Imperio Romano Occidente)hasta el S. XV, (descubrimiento de América en 1492 o en 1453 la caída del Imperio Bizantino. Los historiadores de arte clasifican el arte medieval en períodos y movimientos:
Arte Paleocristiano, arte prerrománico, románico, gótico (en Europa Occidental -la cristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio bizantino -la cristiandad oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias mutuas.

Bizantino
Bizancio/ Constantinopla/ Estambul
Constantino. Emperador romano (313) publica el Edicto de Milán a favor de los cristianos colocando al cristianismo como religión oficial, estableciendo la libertad religiosa  y devolviendo a los cristianos las tierras confiscadas en su momento.
Las imágenes bizantinas, iconos de representación religiosas fueron copiadas a través los años. La pintura bizantina se desarrollo a través de dos vehículos importantes:
  • Los mosaicos ( en paredes y cúpulas)
  • los iconos (en tablas en las iglesias)
La mayor parte de la producción de su primera época ha desaparecido como consecuencia de las primeras oleadas de destrucciones, con motivo de la querella iconoclasta (un enfrentamiento interno). la sucesivas invasiones islámicas (árabes en Siria, Palestina y Egipto, los turcos en Anatolia y los Balcanes), y las cruzadas (en el que el saqueo fue a manos de los cristianos latinos).

Testimonios excepcionales son los mosaicos bizantinos de la primera época localizados en Rávena - San vital de Rávena, San Apolinar de Rávena y los de San Marcos de Venecia.

Románico
Pintura románica (siglo XI y XII). Se caracteriza por frescos de vivos colores y líneas marcadas con gran expresividad y esquematismo. Los temas más repetidos son de tradición bizantina, representados con gran hieratismo (Pantocrátor).
El arte se manifiesta a través de diferentes disciplinas artísticas, técnicas y géneros diferentes como: la arquitectura(el desarrollo de la iglesias románicas y luego las grandes catedrales góticas),los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en el siglo XV, alcanzarán un gran prestigio social.
La representación del paisaje suele limitarse como fondo en las composiciones, que en muchas ocasiones se limita a un color plano ( Fondo dorado, color simbólico que representa la divinidad o eternidad) o se "llena" con figuras de forma obsesiva (horror vacuo) se yuxtaponen en forma horizontal o incluso en vertical, sin buscar profundidad en el plano. No se utiliza la perspectiva geométrica hasta los períodos finales - se insinúa en el gótico (escorzos imperfectos de muebles o arquitectura)y se culmina con un estudio matemático consiente en el Renacimiento. Suele usarse la perspectiva jerárquica(representación a un mayor tamaño de la figura más importante en rango teológico o social, sin consideración de su ubicación en el espacio. Es muy importante la utilización de simbolismos y un complejo lenguaje iconológico.

Gótico
Pintura Gótica (siglo XIII y XIV) sin dejar de utilizar el fresco, es más cotidiano el uso como soporte de la tabla, aislada o en retablo pintadas al temple.
La figuras buscan una mayor expresividad. Se representa escenas de la vida de cristo, muy humanizadas (natividad, crucifixión). La técnica se hace más compleja, buscando la representación de la tercera dimensión (la profundidad del plano) desarrollando el sombreado de la figuras dándole volumen a las mismas.-Pintura de colores vivos, con predominio de la línea curva y sinuosa,. Dentro de este estilo se hicieron los primeros intentos de perspectiva y se combinaron fondos dorados con decoraciones arquitectónicas o paisajes muy simples.

La escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, vitrales.- Los primeros libros impresos fueron producidos dejando espacios para miniaturas, o letras capitales decoradas, o decoraciones en el margen, pero la introducción de la imprenta implementó la rápida declinación de la ilustración. Los manuscritos ilustrados continuaron produciéndose a principios del siglo XVI, ya en poca cantidad, sobre todo para los más ricos. Los manuscritos ilustrados más antiguos que sobreviven al día de hoy son del período 400-600 dc., producidos principalmente en Irlanda, Italia, España.


Gótico Internacional
La pintura del Duecento Italiano (Duecento: 1200. o siglo XIII) tiene características peculiares, que en perspectiva histórica se consideran un precedente del renacimiento.
La pintura del Trecento Italiano (Trecento: 1300 o siglo XIV) se afirma en la misma evolución.
Manuscritos ilustrados: Desde el siglo XIII fueron desarrollándose, la mayoría de los manuscritos ilustrados son de carácter religiosos. La mayoría eran códices (encuadernaciones en forma de libro modernos, de páginas separadas, cocidas y plegadas), muchos fueron también simples pliegos enrollados, pocos papiros sobrevivieron. La mayoría de los manuscritos medievales, ilustrados o no, fueron escritos sobre pergamino, aunque los manuscritos ilustrados suficientemente importantes fueron escritos sobre los de mejor calidad, llamados papel vitela, tradicionalmente hecho con piel de becerro.

Edad media
Los libros manuscritos “miniados”.
En la edad media autores anónimos se han encargado de escribir los textos en pergamino. Para ello crearon una escritura minuciosa que adornaban con dibujos y pinturas de pequeños formatos llamados miniaturas.
La palabra “miniado” proviene de la palabra italiana miniare, la cual derivada de la costumbre de subrayar las iniciales de los manuscritos con minio de plomo.
La realización de los libros manuscritos constaba de dos partes muy diferenciadas que eran llevadas a cabo por especialistas. El copista transcribía el texto.  Éste era una persona culta y conocedora del tema. Los adornos (letras que se querían destacar y las miniaturas) se dejaban para el miniaturista o iluminador
El pergamino
El pergamino se obtenía de pieles de animales – ternera, cabra, oveja-. Las pieles se limpiaban con agua, posteriormente
Se sumergían en agua y cal viva para desengrasarlas y eliminarles los pelos. Luego se extendían y se tensaban para que se secaran y por último se pulía con una piedra tosca.
La ilustración.
Los colores empleados en los libros miniados eran: negro, blanco, rojo, amarillo, azul violeta y verde.
Estos se obtenían triturando minerales naturales. El color más importante en los manuscritos era el color oro (pan de oro).
Con la aparición de la imprenta, la elaboración de manuscritos decayó. Estos pasaron a ser objetos preciosos y solo se siguieron realizando para el uso del obispados, abadías, familias importantes.



La pintura del Quattrocento Italiano: (Quattrocento: 1400 o siglo XV, se considera el inicio del Renacimiento)

Giotto
Pintor y arquitecto italiano nacido en 1266 - 1337. Florencia / Firenze:
Giotto fue discípulo de Cimabue unos de los más grandes pintores pre-renacentistas. Recogió de él la herencia del estilo bizantino, mostrando solemnidad escénica. y ciertas muestras de rigidez y simetría, ejemplo de ello son los ojos almendrados de los personajes.  En su obra incluyó elementos del arte Bizantino y Gótico.
La pintura de Giotto introdujo los cambios para el desarrollo de todo el arte clásico nuevo, marcando una notable diferencia entre sus obras y las pinturas anónimas del arte gótico.
Fue el gran innovador, concluyó con el hieratismo inexpresivo del arte bizantino, creó un nuevo arte, otorgándole mayor profundidad a sus obras. Sustituyó el fondo dorado por paisajes y arquitecturas que evidenciaban su intención de crear nuevos efectos espaciales.
Giotto es considerado el fundador de la pintura italogótica del Treccento, rompiendo así con un estilo rígido propio del arte bizantino, creando una escuela con su arte  hasta el siglo XIV.
Como arquitecto construyó el Campanile de Santa María del Fiore en Florencia/Firenze.


Giotto
"Crucifixión"

         Diferencias y similitudes:
         Pintura Gótica                    Giotto                
  • Planimetría .............................................Perspectiva lineal primitiva.                                                                                
  • Hieratismo..............................................Dinamismo.
  • Composición simetría ............................Composición asimetría.
  • Poco desarrollo de la profundidad...........Mayor desarrollo de la profundidad en el plano.
  • Superposición de las figuras.....................Superposición y plasticidad en las figuras.
  • Frontalidad ..............................................Diferentes perspectivas en la figura humana.
  • Repetición de los rasgos...........................Desarrollo en la expresividad de los rasgos.
  • Falta de desarrollo en el dibujo. ...............Desarrollo en el dibujo y en la composición.
  • Color oro: color simbólico: Divinidad........Incorporación y desarrollo de colores naturales:
  • Imágenes simbólicas ................................Imágenes simbólicas
TÉCNICAS DE PINTURA
Frescos: Es una pintura realizada sobre una superficie aún húmeda de yeso (se utilizaba cal, arena, pigmento y agua) que al pintarse en la superficie aún mojada el pigmento se adhería fácilmente a la superficie, una técnica bastante difícil ya que cuando la superficie se secaba no se podía retocar.
Con este método se consigue que los colores penetren en la cal del muro y se conviertan en parte integrante de ella, dando como resultado una pintura mural de duración indefinida, prácticamente permanente

Temple: también conocida como tempera, es una técnica de pintura en la que el disolvente del pigmento es el agua y el aglutinante (también denominado temple o engrosador) algún tipo de grasa animal, glicerina, huevo, caseína, otras materias orgánicas o goma. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

Óleo: palabra proveniente del latín oleum (aceite),es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla. El óleo permanece húmedo mucho tiempo, lo que favorece la mezcla de colores.


Perspectiva. 2do año.


Cuando en una imagen las líneas paralelas parecen unirse en la distancia, se crea una ilusión de profundidad, esto es conocido como perspectiva, y se puede emplear en fotografía para atraer la mirada del observador dentro de la escena.

Perspectiva: Es un método de representación que se utiliza para recrear la profundidad de una imagen dentro de un plano bidimensional. Recordemos que las 2 dimensiones de un plano son el alto y el largo de la figura y la representación de una figura tridimensional tiene 3 dimensiones que son: el alto, el largo y el ancho. Está la perspectiva lineal: esta sujeta a los cuerpos geométricos y a los elementos de arquitectura. 


Los pintores pre - renacentistas han usado este método ej: Giotto, Masaccio, Sasseta , como la imagen del cuadro de Piero della Francesca "La flagelación"







Existen varios elementos básicos que debes tener en cuenta para realizar un dibujo en perspectiva. Y son: L.H. (línea del Horizonte), P.F.(punto de fuga, L.F(líneas de fuga)P.V (punto de vista).
La línea del horizonte es una línea imaginaria que mirando de frente está a la altura de nuestros ojos. Si miramos al mar la lineal del horizonte coincide con la línea imaginaria que divide el cielo del mar.- Depende como observemos el mar (parados o recostado) la línea del horizonte cambiará de posición en el plano a representar.-








Análisis de la "Ultima Cena" realizada por Leonardo da Vinci.
Aquí podemos observar que todas las líneas de fuga convergen a un solo punta de fuga, el rostro de Jesús.





"La trinidad"
Masaccio.
Fresco: 680 x 475 cm.
Iglesia: Santa María Novella. Florencia. Italia.
1427.







Prehistoria - 1° año.

La prehistoria tiene 3 edades: 
1. Época eólica: útiles de piedra de forma y talla rudimentarias
2. Época Paleolítica: la forma se perfecciona. Al final de esta época aparece la pintura, escultura y la alfarería.
3. Época Neolítica: piedra pulimentada, los
 tatuajes.
Edad del reno: el continente europeo estaba cubierto de hielo. Los hombres vivían en cavernas. En ellas dejaron los primero registros visuales. 

Pinturas Rupestres
La palabra "rupestre" deriva del latín rupes = roca, pero también se entiende como sinónimo de primitivo. Por lo tanto rupestre hace referencia a toda actividad humana sobre los muros de las 
cavernas. En un sentido más amplio, también podría considerarse rupestre cualquier actividad u objeto prehistórico asociado a las cuevas.

Estas pinturas, grabados y relieves se encuentran a la entrada o en el interior de las cuevas y, a menudo, en los lugares más recónditos, descartándose la hipótesis de dibujos decorativos.
Sus temas más habituales son los dibujos de animales como bisontes, caballos, ciervos, mamuts. Raramente aparece la figura humana, son frecuentes las manos y motivos simbólicos como dibujos geométricos y puntos. Los animales aparecen casi siempre de perfil, algunos superpuestos, con dinamismo.

Los grabados se hacían con instrumentos de sílex (mineral de gran dureza)

Los pigmentos  utilizados por el hombre de las cavernas 
(25.000a.C) eran elementos que se encontraban en la tierra,  en forma de tiza blanca, tierra verde, madera quemada, diversos ocres y sombras, mientras que el negro se podía encontrar en el fuego del hogar se preparaban sobre paletas de piedra. La iluminación era posible gracias a unas cazoletas de piedras  o conchas de animales que, llenas de grasa de animal, y con mechas de líquenes secos o ramas de enebro daban luz sin hacer humo.

                                     

 Las cuevas de Altamira (España

Las cuevas de Altamira data del año 12.000 a.C.La pintura está hecha con pigmentos minerales ocres, marrones, amarillentos y rojizos, mezclados con aglutinantes como la grasa animal. 

El contorno de líneas negras de las figuras se realizó con carbón vegetal. Se aplicaron con los dedos, con algún utensilio a modo de pincel y en ocasiones soplando la pintura a modo de aerógrafo.

 La cueva de Altamira es relativamente pequeña: sólo tiene 270 metros de longitud. Presenta una estructura sencilla formada por una galería con escasas ramificaciones. Se definen tres zonas: la primera está formada por un vestíbulo amplio, iluminado por la luz natural y fue el lugar preferentemente habitado por generaciones desde comienzos del Paleolítico Superior. La segunda es la gran sala de pinturas polícromas, apodada «Capilla Sixtina del Arte Cuaternario». Finalmente, existen otras salas y corredores en los que también hay manifestaciones artísticas de menor trascendencia.

Venus Paleolíticas
Las llamadas Venus, denominadas esteatopigias, se trata de figuras femeninas sobre hueso, piedra o marfil con ciertas partes del cuerpo exageradamente desarrolladas: son macizas, a veces obesas, con el abdomen, las mamas. las nalgas muy desarrolladas, por el contrario a los brazos son raquíticos, los pies puntiagudos y el rostro casi siempre esta desdibujado.  Estas pequeñas tallas, cuyo tamaño oscila entre tres y veintidós centímetros, eran objetos, hechos para tenerlos en la mano. Carecían de base, si bien parece que la forma apuntada de sus pies y piernas juntas podía servir para hincarlas de pie en el suelo.

Talla en piedra caliza, alt.10, 45 cmVenus de Willendorf 20.000 a. C. 


Herbert Read sugiere que estas figuras pudieron surgir como amuleto. La escultura es táctil al igual que las Venus, cuyos rasgos podían ser íntimamente sentidos por las manos. Por ello habla de "las dimensiones manejables y la tactilidad directa del amuleto"


Venus de Lascaux.
"Es una estatuilla tallada en un bloque de piedra caliza, representa a una mujer desnuda que en su mano derecha sostiene un cuerno de bisonte. La figura mide 46 cm. aunque gran parte esta separada del fondo, no presenta indicios de rostro a pesar de ello se observa que la cabeza esta de perfil. El cuello esta alargado y claramente definido del pecho brotan elegantemente dos senos largos y colgantes, de forma oval. El vientre es algo pronunciado, pero bien proporcionado y ligeramente caído.. El brazo derecho cae con naturalidad junto al tronco, pero el antebrazo se alza a la altura del hombro, donde la mano sostiene un cuerno de bisonte. Todo el cuerpo esta pulido , excepto la cabeza..."


Mitos Griegos

·        El mito de la creación
Al principio de todos los tiempos para los griegos existía el Caos, del que surgió Gea (la Tierra). Ella sola dio a luz un hijo  llamado Urano (el cielo), que sintió vergüenza de su madre desnuda: Sus lágrimas de  indignación debieron ser copiosas, pues dondequiera que cayeron nacieron ríos y mares, flores y árboles, e incluso animales.
La unión del Cielo y la Madre Tierra produjo titanes de 100 manos, a los que siguieron tres cíclopes de un solo ojo de menor encanto. Urano al verlos los envió al Tártaro, el rincón más remosto y lúgubre del infierno.-Antes de ello se unió a los cíclopes y engendró a los Siete Titanes de aspecto más agradable. Pero su madre Gea que añoraba a sus cíclopes exiliados, los titanes atacaron a su padre con una hoz mientras dormía y lo castraron.  Los titanes se repartieron el mundo, bajo el liderazgo del más joven, Cronos (el Tiempo). La madre tierra, no vio cumplido su propósito de ver libres a sus queridos cíclopes. Al verlos, Cronos los volvió a recluir al Tártaro, junto con sus hermanos de 100 manos, en venganza la frustrada madre profetizó que él también sería pronto destronado.
Cronos se casó con su hermana Rea, pero, consiente de la profecía, Cronos comenzó a devorar a sus hijos que le daba su esposa Rea, parábola ésta del Tiempo que aniquila todo lo creado. Aconsejada por la Madre Tierra, Rea sustituyó a su sexto hijo por una piedra envuelta en pañales, que Cronos se tragó. El niño Zeus fue escondido en la cueva de Dicte, al cuidado de la cabra Amaltea, cuya leche mamaba junto a su hermano Pan. Zeus creció entre los pastores del monte Ida. Al cabo de un tiempo, Rea le facilitó un brebaje para Cronos, lo tomó, pero este brebaje era tan fuerte que no lo pudo tolerar y vomitó primero la piedra y después a todos sus hijos.
Después de destronara su padre Zeus, Poseidón y Hades se repartieron el mundo. Zeus se quedó con los cielos, Poseidón se quedó con los mares y Hades con el inframundo o infierno. Zeus mandó a llamar a los tres cíclopes y los llevo con él haciéndolos trabajar forjando los rayos.



·        La Historia del hombre

Prometeo (la reflexión) el más sabio de los titanes, combatió lealmente al lado de los dioses del Olimpo. Como recompensa se le confió la creación del hombre. De un terrón de arcilla amasado con agua Prometeo moldeó una criatura a imagen y semejanza de los dioses, y otorgó al hombre el supremo don del fuego, encendiendo una antorcha en el mismo sol.
Durante la “edad de oro” loa hombre vivieron sin cuidados y sin mujeres. Después de que Zeus creara las estaciones, la vida se hizo más dura para los hombres, que tuvieron que resguardarse del frió y del viento en cuevas. Ya no podían vivir de frutas leche y miel, sino que había que trabajar para ganarse el sustento. Contrariamente a lo previsible, el trabajo trajo de la mano el pecado, y como castigo Zeus apagó el fuego. Una vez más Prometeo fue al rescate de los hombres y trajo a la tierra una antorcha oculta en un tallo hueco de un hinojo gigante. Pero los terribles dioses descargaron una terrible venganza sobre Prometeo y los hombres.
 El Titán fue encadenado en las montañas del Cáucaso, donde un águila le roía el hígado durante todo el día; no habiendo fin para su tormento porque todas las noches se regeneraba y se reanudaba a la mañana siguiente.
Para los hombres Hefesto forjó (creo) una mujer, y Afrodita se ocupo de la atracción sexual. Pandora, fue el regalo de todos los dioses, enviada a Epimeteo (la Irreflexión), que a pesar de las advertencias de su hermano Prometeo sucumbió a sus encantos. Como dote, Pandora recibió una caja enjoyada, que según las instrucciones de Zeus – quién sabía que la desobediencia y la curiosidad distinguían a la mujer-, no debía abrir nunca. Al poco tiempo Pandora abrió la caja y se precipitaron al exterior todos los males físicos y mentales (psíquicos) que han aquejado a la especie humana desde entonces. Únicamente quedó oculta bajo la tapa de la caja la Esperanza, que hace soportable la vida de los hombres.







Vanguardias del Siglo XX - 2do año.



Las vanguardias artísticas del siglo XX


El termino vanguardia, o avant-garde en francés, se refiere a las personas o a las obras que son experimentales o innovadoras, en particular al arte, la cultura, filosofía y la literatura.
A comienzo del siglo XX los valores establecidos desde siglos se alteran. El artista, inmerso en estos cambios, se sitúa en una nueva dimensión y la innovación en todos los campos de la expresión artística define esta etapa. Es importante tener en cuenta la fecundidad del arte contemporáneo, que provoca la aparición de nuevas corrientes estéticas yuxtapuestas, a veces de poca duración, reflejo de los cambios acontecidos y de la gran capacidad creadora del hombre.

LA PINTURA Sufre la mayor transformación rompiendo con las convenciones establecidas desde el Renacimiento sobre la perspectiva y sobre la representación figurativa. El artista busca una forma diferente de expresar las realidades cambiantes, dan valores subjetivos al color, nuevas formas de visión,  condicionantes de la vida contemporánea.
Las tensiones sociales y políticas son graves durante la primera mitad de siglo, y tanto la guerra como el período en entreguerras provocan en los artistas su dolor, su frustración ante lo absurdo, su necesidad de expresar la dureza del mundo que vive, distanciándose de los lenguajes y de las formas tradicionales academicistas. Es importante tener en cuenta que muchos de los artistas de las primeras vanguardias se afilian o participan activamente en movimientos políticos. La guerra afecta directa e indirectamente a los hombres y la presión psicológica y el testimonio de la catástrofe quedan presentes en la obra gráfica de los vanguardistas.

El fauvismo puede considerarse como uno de los primeros movimientos de vanguardia del siglo, aunque la cohesión y el propósito común del grupo de pintores que la forma es efímera: 1905-1910. En el fauvismo no hay dramatismo, el color transmite alegría y gozo.
Las características comunes del grupo son las siguientes:
Libertad en el color hasta llegar a la exaltación, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de este respecto de la naturaleza, cuyos resultados son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,...
Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.
Interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables paisajes o retratos.
La profundidad desaparece y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes y no con el claroscuro.
Es figurativo no respetando el color real del objeto.
Los pintores fauvistas más importantes son: Henri Matisse “Mujer con raya verde”, y André Derain “El puente de Westminster”, también Raoul Dufy, Maurice Vlaminck, Kees van Dongen, Georges Braque.


Henri Matisse                                                    
                                 
 André Derain




El Expresionismo. Con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Surgió en los años 1905 a 1920 en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.
El valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: El artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.
·       

 Eduard Munch (1863-1944). Se lo considera a Munch como el “padre” del expresionismo al igual que  James Ensor
Cuando expone por primera vez en Berlín, en 1892, escandaliza y su exposición es clausurada. Munch se consagra al estudio de los problemas psicológicos de la sociedad moderna, por ellos enfermedad y muerte se convierten en una constante en su obra. La forma nace con la participación subjetiva en el objeto del cuadro, objeto que en primer lugar es el hombre con sus sentimientos y sus sensaciones, elementos que hasta entonces han estado vedados. “El grito”, su obra más conocida la describe el autor como expresión de soledad, angustia y miedo al sentir la fría, vasta e infinita naturaleza, con colores irreales, violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro la persona en situación desesperada.

Eduard Munch “El grito”, 1893.

 Pubertad. Eduard Munch 1894


• James Ensor (1860-1949). Su técnica es de colores vivos y textura fina o compacta. Las máscaras, presentes en sus obras, son grotescas hasta llegar a lo macabro, Vieja con máscara.
  James Ensor“La muerte y las máscaras”,  (1897)



































En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo.En 7 de junio de 1905, cuatro estudiantes de arquitectura fundaron el grupo artístico Brücke (puente), ellos eran Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, Emil Nolde.

 La iniciativa de formar una comunidad artística fue de Kirchner, el nombre puente fue de Schmidt-Rottluff. Únicamente se conserva esta anotación de Heckel de 1958 que decía: “Naturalmente habíamos pensado en cómo podíamos presentarnos ante la opinión pública. Una noche, de vuelta a casa, volvimos hablar del asunto. Schmidt-Rottluff dijo que podíamos llamarlo Puente, palabra muy sugerente que no implicaba ningún programa, pero sí la idea de conducir de una orilla a otra.”
El deseo revolucionario del cambio social, el ansia de vida y brazos libres frente a la burguesía acomodada, no pasa los límites del campo  expresivo; se limita justamente a la renovación del campo expresivo. Lo que se buscaba era una forma directa y no convencional de transformar la realidad a través de la pintura.
·         Ernst Ludwig Kirchner: es considerado como la personalidad dominante de la comunidad artística del Puente. Fue quien instó a su fundación en 1905. La vida en la gran ciudad se convirtió en el tema central de su obra, además de los desnudos en primer plano y retratos de mujeres de la burguesía. Las composiciones  son dinámicas, la línea es aguada e incisiva, su paleta contiene colores saturados y poco desarrollo de matices de color.
               Ernst Ludwig Kirchner. “Mujer con gato”.

        




Erich Heckel: desempeñó la decisiva función de mediador. Con mucho talento organizativo se preocupó, en calidad de secretario, de las actividades del grupo. La obra pictórica de Heckel durante la época del Puente hasta 1013 debe ser juzgada con reserva. Muchísimos de los cuadros que pintó para esa época no sobrevivieron al terror del nazismo ni a la bomba que en 1944 destruyó su estudio. La aplicación del color se torna más amplia, Heckel pretende otorgarle al color una carga muy expresiva utilizando grandes saturaciones.



 El Jinete Azul de Múnich, suele ser considerado como el polo opuesto del Puente, primero radicado en Dresde y después en Berlín. Esto se debe, en parte, a que los artistas de Munich sostenían puntos de vistas diferentes. Estos artistas no conformaron un grupo fijo que se abriera a la opinión pública por medio de manifiestos, tampoco se desarrolló un estilo colectivo.
Se destaca dentro de este grupo, Wassily Kandinsky (1866-1944). Considerado como uno de los más brillantes teóricos del siglo. En la circular de fundación Kandinsky anotaba que la meta de los artistas debía ser una creación que reunieran las impresiones tanto del mundo exterior como del interior en una nueva forma de expresión artística “A través de  la fundación de nuestra asociación, esperamos conceder una forma material a las relaciones entre artistas, que nos dará la oportunidad de hablar a la opinión pública con una sola voz”. Las características comunes de este grupo son el dinamismo y el simbolismo en el uso del color y la tendencia a la abstracción.

Wassily Kandinsky ““Composición IV”, 1911















Cubismo: fue otra de las vanguardias artísticas del siglo XX y su intención fue quebrar por completo la tan conocida perspectiva, método de representación que llevó a los artistas a utilizarlo por más de seis siglos. Este nuevo lenguaje plástico se centró en incorporar dentro de un mismo plano varios puntos de vista en simultáneo, es decir, que un modelo como una naturaleza muerta se la representaba a través de diferentes planos geométricos como puntos de vistas posibles, dando el valor adecuado a su existencia física y a los espacios que la separaban.
Los pintores cubistas fueron  Pablo Picasso y  George Braque que  tomaban como tema el mundo cotidiano. Pero también consideraban, que los objetos y sus entornos habían de ser reestructurados en la tela blanca a fin de que la pintura tuviese carácter y fuerza como tal. El cubismo como nuevo medio de expresión artística del nuevo siglo ofrecía una serie de libertades: la libertad de abandonar el antiguo deber de imitar más o menos directamente la realidad, y la libertad de encontrar nuevos lenguajes o combinaciones de lenguajes para presentar visiones nuevas del mundo.

Se clasifico al cubismo en dos etapas, la primera se la llamo cubismo analítico, eran casi siempre temas de estudio: bodegones en su mayoría y a veces modelos con objetos. A continuación dos ejemplos:



                                                                                                        Braque “Hombre con guitarra"
Picasso: "Hombre fumando en pipa"


En 1912, la obra de Picasso y Braque cambió sustancialmente. El segundo tipo de cubismo que desarrollaron se llamó cubismo sintético, significa que las obras son creadas mediante la reunión de diferentes materiales, se incorporó el papel de diario, elementos como madera, cartón, papel, yute.
 Braque: Bodegón con naipes. 1913






Picasso: “Naturaleza muerta con silla de paja. 1912.

Surrealismo. El Surrealismo fue un movimiento literario y artístico que se sucedió en la segunda década del siglo XX, en 1924. Fue el movimiento estético más importante de entreguerras, por su fecundidad y extensión, el surrealismo proclama la necesidad de una revuelta total, utilizando el arte y el lenguaje
. Sus fines son provocar la expresión libre de aquello que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su imaginación. André Breton firma el primer manifiesto surrealista en 1924 y a través de su lectura se encuentran las bases de este movimiento: Creo en el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia contradictorios, como son el sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, de sur-realidad (por debajo de la realidad)
 El surrealismo expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente.

Recursos comunes para plasmar estos contenidos teóricos en las artes figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos, la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos incongruentes, las temáticas eróticas como referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello.


La regla era: "No aceptar ninguna idea, ninguna imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural".
"Abrir la puerta a lo irracional".
"Tan solo dar cabida a las imágenes que causen sorpresa sin pretender saber el porque"
El surrealismo rompió con las tradiciones del arte clásico, realizando así imágenes que se manifiestan en nuestro inconsciente, a través de los sueños (lo onírico), imágenes de nuestra infancia y también de nuestros miedos y amores.


Salvador Dalí Pintor, escultor, orfebre y grabador español nacido en Figueras, pequeña ciudad de la provincia catalana de Gerona, cerca de Barcelona, en 1904 y fallecido en 1989. Es el primer pintor surrealista que acepta por completo la lógica freudiana, interpretando el mundo psicológico actual en huevos fritos, teléfonos blandos, relojes blandos, armarios etc. El mundo de Dalí está muy cerca de nuestra realidad. El surrealismo de Dalí es, según él,, "una fotografía hecha a mano de los sueños".

Su juego lúgubre es un recuerdo de su psicología de infancia; muestra su freudianismo, siendo el sexo, sus fobias, sus deseos los temas que preside la obra , juntamente con la paranoia.
Siempre está el deseo de asombrar a traves de sus creativas asociaciones y el exhibicionismo de sus obsesiones sexuales. También realiza cuadros religiosos como "Cristo de San Juan de la Cruz"

Se dedicó al dibujo y a la pintura desde muy joven y en 1922 comenzó los estudios de Bellas Artes en Madrid donde conoció a Federico García Lorca
(escritor) y a Luis Buñuel, con quién hizo la película surrealista "El perro andaluz" y a Andre Bretón escritor surrealista.
Para conocer verdaderamente a Dalí hay que estar abierto, libre de prejuicios y entrar en esa mente magníficamente creativa. Nos muestra imágenes recurrentes como por ejemplo el paisaje de Port Ligat (donde vivió mucho tiempo), las rocas donde siempre veía imágenes en ellas, las sombras de los objetos, las hormigas que simbolizaban el trabajo permanente, las langostas
su mayor miedo, las gotas de sangre símbolo de las guerras mundiales, muerte, la guerra civil española.
Dalí utiliza un lenguaje simbólico en sus obras, es decir que cada imagen representa una idea, un sentimiento, deseos, miedos...

A modo de ayuda, estas son algunas de las imágenes que pintaba y sus correspondientes significados:





Simbologia Daliniana
Muletas........Apoyo en la vida
Ciprés (árbol perenne)..Muerte lejana
Langosta......Fobias, miedo.
Bigotes.........Juego con el ridículo, publicidad
Relojes blandos......Eternidad, queso camembert
Hormigas.....Laboriosidad, trabajo
Perro............Guardián de los misterios no revelados
Cajones........Memoria
Huevo..........Forma de vida latente
Zapatos.......Fetichismo Ma Mere..ma mere...ma meré
Ángeles........Poder, paz
Elementos que no caen........Átomo, neutrón
Vino – pan......Cristo humanizado
Mariposas......Liberación espiritual, igualdad
Gala................Musa inspiradora
Línea sobre la tierra plana..........Infinitud
Mar...............Misterio, unión...
León.............Padre iracundo


René Magritte 

Pintor surrealista belga (1898-1967).- Rene Magritte aporta al
lenguaje surrealista un juego entre las imágenes cargadas de humor, poesía, ambigüedad.

Magritte estuvo fascinado con la seducción de las imágenes. Por lo general cuando vemos una imagen de algo, se cree en ella, somos seducidos por ella, damos por sentado de su honestidad. Pero sabía que la representación de las cosas podían mentir, pues entonces Magritte nos hace consciente de la falsedad de muchas imágenes que vemos a diario.-
Magritte estudia la representación de los objetos cotidianos. Decide que la palabra describe una sola cosa, pero la imagen implica muchas otras, esto es el resultado de semiótica y el análisis lingüístico.-Juega con la representación de la imagen y con la palabra que la representa, cuestionando la relación entre el objeto pintado, su significación y el real.-











"Amantes" René Magritte.


Trabajo Practico 2do año: Surrealismo

Realizar 1 copia de una pintura de Salvador Dalí a elección y otra copia de Rene Magritte a elección.-

  1. Observar y analizar obras de estos dos pintores y determinar que diferencias y similitudes encontrás entre los dos artistas surrealistas.- (explicación teórica-escrita)