Las vanguardias
artísticas del siglo XX
El termino vanguardia, o avant-garde en francés, se refiere a las
personas o a las obras que son experimentales o innovadoras, en
particular al arte, la cultura, filosofía y la literatura.
A comienzo del siglo XX
los valores establecidos desde siglos se alteran. El artista, inmerso en estos
cambios, se sitúa en una nueva dimensión y la innovación en todos los campos de
la expresión artística define esta etapa. Es importante tener en cuenta la
fecundidad del arte contemporáneo, que provoca la aparición de nuevas corrientes
estéticas yuxtapuestas, a veces de poca duración, reflejo de los cambios
acontecidos y de la gran capacidad creadora del hombre.
LA PINTURA Sufre
la mayor transformación rompiendo con las convenciones establecidas desde el
Renacimiento sobre la perspectiva y sobre la representación figurativa. El
artista busca una forma diferente de expresar las realidades cambiantes, dan
valores subjetivos al color, nuevas formas de visión, condicionantes de la vida contemporánea.
Las tensiones sociales y políticas son graves durante la
primera mitad de siglo, y tanto la guerra como el período en entreguerras
provocan en los artistas su dolor, su frustración ante lo absurdo, su necesidad
de expresar la dureza del mundo que vive, distanciándose de los lenguajes y de
las formas tradicionales academicistas. Es importante tener en cuenta que
muchos de los artistas de las primeras vanguardias se afilian o participan
activamente en movimientos políticos. La guerra afecta directa e indirectamente
a los hombres y la presión psicológica y el testimonio de la catástrofe quedan
presentes en la obra gráfica de los vanguardistas.
El fauvismo puede considerarse
como uno de los primeros movimientos de vanguardia del siglo, aunque la
cohesión y el propósito común del grupo de pintores que la forma es efímera:
1905-1910. En el fauvismo no hay
dramatismo, el color transmite alegría y gozo.
Las características comunes del
grupo son las siguientes:
• Libertad en el color
hasta llegar a la exaltación, sin mezclas o matices. El color se independiza
del objeto, haciendo un uso arbitrario de este respecto de la naturaleza,
cuyos resultados son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,...
• Extrema simplificación de
formas y elementos: los objetos y contornos se perfilan con pinceladas
gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.
• Interpretación lírica y
emocional de la realidad con temas agradables paisajes o retratos.
• La profundidad desaparece
y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes y no con el claroscuro.
• Es figurativo no respetando
el color real del objeto.
Los pintores fauvistas más
importantes son: Henri Matisse “Mujer
con raya verde”, y André Derain “El puente de Westminster”,
también Raoul Dufy, Maurice Vlaminck, Kees van Dongen, Georges Braque.
Henri Matisse
André Derain
El
Expresionismo. Con este término se denomina una pintura en la que
prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad.
Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga
dramática, pesimista y crítica. Surgió en los años 1905 a 1920 en Alemania.
Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.
El valor fundamental es la libertad individual de
expresión, pero con unos nexos
comunes: El artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador
sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento
político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de
protesta.
·
Eduard
Munch (1863-1944). Se lo considera a Munch como el “padre” del
expresionismo al igual que James Ensor.
Cuando expone por primera vez en Berlín, en 1892, escandaliza y
su exposición es clausurada. Munch se consagra al estudio de los problemas
psicológicos de la sociedad moderna, por ellos enfermedad y muerte se
convierten en una constante en su obra. La forma nace con la participación
subjetiva en el objeto del cuadro, objeto que en primer lugar es el hombre con
sus sentimientos y sus sensaciones, elementos que hasta entonces han estado
vedados. “El grito”, su obra más conocida la describe el autor como expresión
de soledad, angustia y miedo al sentir la fría, vasta e infinita naturaleza,
con colores irreales, violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro
la persona en situación desesperada.
Eduard Munch “El grito”, 1893.
Pubertad. Eduard Munch 1894
•
James Ensor (1860-1949). Su técnica es de colores vivos y textura fina o compacta. Las máscaras, presentes en sus obras, son grotescas hasta llegar a lo macabro, Vieja con máscara.
James Ensor“La muerte y las máscaras”, (1897)
En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y
Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con
París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo.En 7
de junio de 1905, cuatro estudiantes de arquitectura fundaron el grupo
artístico Brücke
(puente), ellos
eran Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel,
Emil Nolde.
La iniciativa de formar una
comunidad artística fue de Kirchner, el nombre puente fue de Schmidt-Rottluff. Únicamente
se conserva esta anotación de Heckel de 1958 que decía: “Naturalmente habíamos
pensado en cómo podíamos presentarnos ante la opinión pública. Una noche, de
vuelta a casa, volvimos hablar del asunto. Schmidt-Rottluff dijo que podíamos
llamarlo
Puente, palabra muy
sugerente que no implicaba ningún programa, pero sí la idea de conducir de una
orilla a otra.”
El deseo revolucionario del cambio social, el ansia de
vida y brazos libres frente a la burguesía acomodada, no pasa los límites
del campo expresivo; se limita
justamente a la renovación del campo expresivo. Lo que se buscaba era una
forma directa y no convencional de transformar la realidad a través de la
pintura.
·
Ernst
Ludwig Kirchner: es considerado como la personalidad dominante de la
comunidad artística del
Puente. Fue
quien instó a su fundación en 1905. La vida en la gran ciudad se convirtió en
el tema central de su obra, además de los desnudos en primer plano y retratos
de mujeres de la burguesía. Las composiciones son dinámicas, la línea es aguada e incisiva,
su paleta contiene colores saturados y poco desarrollo de matices de color.
Ernst Ludwig Kirchner.
“Mujer con gato”.
Erich
Heckel: desempeñó la decisiva función de mediador. Con mucho talento
organizativo se preocupó, en calidad de secretario, de las actividades del
grupo. La obra pictórica de Heckel durante la época del Puente hasta 1013 debe
ser juzgada con reserva. Muchísimos de los cuadros que pintó para esa época no
sobrevivieron al terror del nazismo ni a la bomba que en 1944 destruyó su
estudio. La aplicación del color se torna más amplia, Heckel pretende otorgarle
al color una carga muy expresiva utilizando grandes saturaciones.
El Jinete Azul de Múnich,
suele ser considerado como el polo opuesto del Puente, primero radicado
en Dresde y después en Berlín. Esto se debe, en parte, a que los artistas de
Munich sostenían puntos de vistas diferentes. Estos artistas no conformaron un
grupo fijo que se abriera a la opinión pública por medio de manifiestos,
tampoco se desarrolló un estilo colectivo.
Se destaca dentro de este grupo,
Wassily Kandinsky
(1866-1944). Considerado como uno de los más brillantes teóricos del siglo. En
la circular de fundación Kandinsky anotaba que la meta de los artistas debía
ser una creación que reunieran las impresiones tanto del mundo exterior como
del interior en una nueva forma de expresión artística “A través de la fundación de nuestra asociación, esperamos
conceder una forma material a las relaciones entre artistas, que nos dará la
oportunidad de hablar a la opinión pública con una sola voz”. Las
características comunes de este grupo son el dinamismo y el simbolismo en el
uso del color y la tendencia a la abstracción.
Wassily Kandinsky ““Composición IV”, 1911
Cubismo:
fue otra de las vanguardias artísticas del siglo XX y su intención fue
quebrar por completo la tan conocida perspectiva,
método de representación que llevó a los artistas a utilizarlo por más de seis
siglos. Este nuevo lenguaje plástico se centró en incorporar dentro de un mismo
plano varios puntos de vista en simultáneo, es decir, que un modelo como una
naturaleza muerta se la representaba a través de diferentes planos geométricos
como puntos de vistas posibles, dando el valor adecuado a su existencia física
y a los espacios que la separaban.
Los pintores cubistas fueron
Pablo Picasso y George Braque
que tomaban como tema el mundo
cotidiano. Pero también consideraban, que los objetos y sus entornos habían de
ser reestructurados en la tela blanca a fin de que la pintura tuviese carácter
y fuerza como tal. El cubismo como nuevo medio de expresión artística del nuevo
siglo ofrecía una serie de libertades: la libertad de abandonar el antiguo
deber de imitar más o menos directamente la realidad, y la libertad de
encontrar nuevos lenguajes o combinaciones de lenguajes para presentar visiones
nuevas del mundo.
Se clasifico al cubismo en dos etapas, la primera se la
llamo cubismo analítico, eran casi siempre temas de estudio: bodegones en su
mayoría y a veces modelos con objetos. A continuación dos ejemplos:
Braque “Hombre con guitarra"
Picasso: "Hombre fumando en pipa"
En 1912, la obra de Picasso y
Braque cambió sustancialmente. El segundo tipo de cubismo que desarrollaron se
llamó cubismo sintético, significa que las obras son creadas mediante la
reunión de diferentes materiales, se incorporó el papel de diario, elementos
como madera, cartón, papel, yute.
Braque: Bodegón con naipes.
1913
Picasso:
“Naturaleza muerta con silla de paja. 1912.
Surrealismo. El Surrealismo fue un movimiento literario y artístico que se sucedió en la segunda década del siglo XX, en 1924. Fue el movimiento estético más importante de entreguerras, por su fecundidad y extensión, el surrealismo proclama la necesidad de una revuelta total, utilizando el arte y el lenguaje
. Sus
fines son provocar la expresión libre de aquello que considera lo más interno
en el hombre; su inconsciente y su imaginación. André Breton firma el primer manifiesto
surrealista en 1924 y a través de su lectura se encuentran las bases de este
movimiento: Creo en el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia
contradictorios, como son el sueño y la realidad en una especie de realidad
absoluta, de sur-realidad (por debajo de la realidad)
El surrealismo
expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón,
libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el
espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo
pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente.
Recursos comunes para plasmar estos contenidos teóricos en
las artes figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos
anatómicos, la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las perspectivas
vacías, las creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos
incongruentes, las temáticas eróticas como referencia a la importancia que el
psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello.
La regla era:
"No aceptar ninguna idea, ninguna imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural".
"Abrir la puerta a lo irracional".
"Tan solo dar cabida a las imágenes que causen sorpresa sin pretender saber el porque"
El surrealismo rompió con las tradiciones del arte clásico, realizando así imágenes que se manifiestan en nuestro inconsciente, a través de los sueños (lo onírico), imágenes de nuestra infancia y también de nuestros miedos y amores.
Salvador Dalí Pintor, escultor, orfebre y grabador español nacido en Figueras, pequeña ciudad de la provincia catalana de Gerona, cerca de Barcelona, en 1904 y fallecido en 1989. Es el primer pintor surrealista que acepta por completo la lógica freudiana, interpretando el mundo psicológico actual en huevos fritos, teléfonos blandos, relojes blandos, armarios etc. El mundo de Dalí está muy cerca de nuestra realidad. El surrealismo de Dalí es, según él,, "una fotografía hecha a mano de los sueños".
Su juego lúgubre es un recuerdo de su psicología de infancia; muestra su freudianismo, siendo el sexo, sus fobias, sus deseos los temas que preside la obra , juntamente con la paranoia.
Siempre está el deseo de asombrar a traves de sus creativas asociaciones y el exhibicionismo de sus obsesiones sexuales. También realiza cuadros religiosos como "Cristo de San Juan de la Cruz"
Se dedicó al dibujo y a la pintura desde muy joven y en 1922 comenzó los estudios de Bellas Artes
en Madrid donde conoció a Federico García Lorca
(escritor) y a Luis Buñuel, con quién hizo la película surrealista "El perro andaluz" y a Andre Bretón escritor surrealista.
Para conocer verdaderamente a Dalí hay que estar abierto, libre de prejuicios y entrar en esa mente magníficamente creativa. Nos muestra imágenes recurrentes como por ejemplo el paisaje de Port Ligat (donde vivió mucho tiempo), las rocas donde siempre veía imágenes en ellas, las sombras de los objetos, las hormigas que simbolizaban el trabajo permanente, las langostas
su mayor miedo, las gotas de sangre símbolo de las guerras mundiales, muerte, la guerra civil española.
Dalí utiliza un lenguaje simbólico en sus obras, es decir que cada imagen representa una idea, un sentimiento, deseos, miedos...
A modo de ayuda, estas son algunas de las imágenes que pintaba y sus correspondientes significados:
Simbologia Daliniana 
Muletas........Apoyo en la vida
Ciprés (árbol perenne
)..Muerte lejana
Langosta......Fobias, miedo.
Bigotes.........Juego con el ridículo, publicidad
Relojes blandos......Eternidad, queso camembert
Hormigas.....Laboriosidad, trabajo
Perro............Guardián de los misterios no revelados
Cajones........Memoria
Huevo..........Forma de vida latente
Zapatos.......Fetichismo Ma Mere..ma mere...ma meré
Ángeles........Poder, paz
Elementos q
ue no caen........Átomo, neutrón
Vino – pan......Cristo humanizado
Mariposas......Liberación espiritual, igualdad
Gala................Musa inspiradora
Línea sobre la tierra plana..........Infinitud
Mar...............Misterio, unión...
León.............Padre iracundo
René Magritte
Pintor surrealista belga (1898-1967).- Rene Magritte aporta al
lenguaje surrealista un juego entre las imágenes cargadas de humor, poesía, ambigüedad.
Magritte estuvo fascinado con la seducción de las imágenes. Por lo general cuando vemos una imagen de algo, se cree en ella, somos seducidos por ella, damos por sentado de su honestidad. Pero sabía que la representación de las cosas podían mentir, pues entonces Magritte nos hace consciente de la falsedad de muchas imágenes que vemos a diario.-
Magritte estudia la representación de los objetos cotidianos. Decide que la palabra describe una sola cosa, pero la imagen implica muchas otras, esto es el resultado de semiótica y el análisis lingüístico.-Juega con la representación de la imagen y con la palabra que la representa, cuestionando la relación entre el objeto pintado, su significación y el real.-
"Amantes" René Magritte.
Trabajo Practico 2do año: Surrealismo
Realizar 1 copia de una pintura de Salvador Dalí a elección y otra copia de Rene Magritte a elección.-
- Observar y analizar obras de estos dos pintores y determinar que diferencias y similitudes encontrás entre los dos artistas surrealistas.- (explicación teórica-escrita)
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mosaicos, vitrales.- Los primeros libros impresos fueron producidos dejando espacios para miniaturas, o letras capitales decoradas, o decoraciones en el margen, pero la introducción de la imprenta implementó la rápida declinación de la ilustración. Los manuscritos ilustrados continuaron produciéndose a principios del siglo XVI, ya en poca cantidad, sobre todo para los más ricos. Los manuscritos ilustrados más antiguos que sobreviven al día de hoy son del período 400-600 dc., producidos principalmente en Irlanda, Italia, España. .jpg)
