Vanguardias del Siglo XX - 2do año.

Las vanguardias artísticas del siglo XX

El termino vanguardia, o avant-garde en francés, se refiere a las personas o a las obras que son experimentales o innovadoras, en particular al arte, la cultura, filosofía y la literatura.

A comienzo del siglo XX los valores establecidos desde siglos se alteran. El artista, inmerso en estos cambios, se sitúa en una nueva dimensión y la innovación en todos los campos de la expresión artística define esta etapa. Es importante tener en cuenta la fecundidad del arte contemporáneo, que provoca la aparición de nuevas corrientes estéticas yuxtapuestas, a veces de poca duración, reflejo de los cambios acontecidos y de la gran capacidad creadora del hombre.

LA PINTURA Sufre la mayor transformación rompiendo con las convenciones establecidas desde el Renacimiento sobre la perspectiva y sobre la representación figurativa. El artista busca una forma diferente de expresar las realidades cambiantes, dan valores subjetivos al color, nuevas formas de visión,  condicionantes de la vida contemporánea.

Las tensiones sociales y políticas son graves durante la primera mitad de siglo, y tanto la guerra como el período en entreguerras provocan en los artistas su dolor, su frustración ante lo absurdo, su necesidad de expresar la dureza del mundo que vive, distanciándose de los lenguajes y de las formas tradicionales academicistas. Es importante tener en cuenta que muchos de los artistas de las primeras vanguardias se afilian o participan activamente en movimientos políticos. La guerra afecta directa e indirectamente a los hombres y la presión psicológica y el testimonio de la catástrofe quedan presentes en la obra gráfica de los vanguardistas.

El fauvismo puede considerarse como uno de los primeros movimientos de vanguardia del siglo, aunque la cohesión y el propósito común del grupo de pintores que la forma es efímera: 1905-1910. En el fauvismo no hay dramatismo, el color transmite alegría y gozo.

Las características comunes del grupo son las siguientes:

• Libertad en el color hasta llegar a la exaltación, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de este respecto de la naturaleza, cuyos resultados son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,...

• Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.

• Interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables paisajes o retratos.

• La profundidad desaparece y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes y no con el claroscuro.

• Es figurativo no respetando el color real del objeto.

Los pintores fauvistas más importantes son: Henri Matisse “Mujer con raya verde”, y André Derain “El puente de Westminster”, también Raoul Dufy, Maurice Vlaminck, Kees van Dongen, Georges Braque.

Henri Matisse                                                    

                                 

 André Derain

El Expresionismo. Con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Surgió en los años 1905 a 1920 en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.

El valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: El artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.

·       

 Eduard Munch (1863-1944). Se lo considera a Munch como el “padre” del expresionismo al igual que  James Ensor. 
Cuando expone por primera vez en Berlín, en 1892, escandaliza y su exposición es clausurada. Munch se consagra al estudio de los problemas psicológicos de la sociedad moderna, por ellos enfermedad y muerte se convierten en una constante en su obra. La forma nace con la participación subjetiva en el objeto del cuadro, objeto que en primer lugar es el hombre con sus sentimientos y sus sensaciones, elementos que hasta entonces han estado vedados. “El grito”, su obra más conocida la describe el autor como expresión de soledad, angustia y miedo al sentir la fría, vasta e infinita naturaleza, con colores irreales, violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro la persona en situación desesperada.

Eduard Munch “El grito”, 1893.

 Pubertad. Eduard Munch 1894

• James Ensor (1860-1949). Su técnica es de colores vivos y textura fina o compacta. Las máscaras, presentes en sus obras, son grotescas hasta llegar a lo macabro, Vieja con máscara.

  James Ensor“La muerte y las máscaras”,  (1897)

En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo.En 7 de junio de 1905, cuatro estudiantes de arquitectura fundaron el grupo artístico Brücke (puente), ellos eran Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, Emil Nolde.

 La iniciativa de formar una comunidad artística fue de Kirchner, el nombre puente fue de Schmidt-Rottluff. Únicamente se conserva esta anotación de Heckel de 1958 que decía: “Naturalmente habíamos pensado en cómo podíamos presentarnos ante la opinión pública. Una noche, de vuelta a casa, volvimos hablar del asunto. Schmidt-Rottluff dijo que podíamos llamarlo Puente, palabra muy sugerente que no implicaba ningún programa, pero sí la idea de conducir de una orilla a otra.”

El deseo revolucionario del cambio social, el ansia de vida y brazos libres frente a la burguesía acomodada, no pasa los límites del campo  expresivo; se limita justamente a la renovación del campo expresivo. Lo que se buscaba era una forma directa y no convencional de transformar la realidad a través de la pintura.

·         Ernst Ludwig Kirchner: es considerado como la personalidad dominante de la comunidad artística del Puente. Fue quien instó a su fundación en 1905. La vida en la gran ciudad se convirtió en el tema central de su obra, además de los desnudos en primer plano y retratos de mujeres de la burguesía. Las composiciones  son dinámicas, la línea es aguada e incisiva, su paleta contiene colores saturados y poco desarrollo de matices de color.

               Ernst Ludwig Kirchner. “Mujer con gato”.

        




Erich Heckel: desempeñó la decisiva función de mediador. Con mucho talento organizativo se preocupó, en calidad de secretario, de las actividades del grupo. La obra pictórica de Heckel durante la época del Puente hasta 1013 debe ser juzgada con reserva. Muchísimos de los cuadros que pintó para esa época no sobrevivieron al terror del nazismo ni a la bomba que en 1944 destruyó su estudio. La aplicación del color se torna más amplia, Heckel pretende otorgarle al color una carga muy expresiva utilizando grandes saturaciones.

 El Jinete Azul de Múnich, suele ser considerado como el polo opuesto del Puente, primero radicado en Dresde y después en Berlín. Esto se debe, en parte, a que los artistas de Munich sostenían puntos de vistas diferentes. Estos artistas no conformaron un grupo fijo que se abriera a la opinión pública por medio de manifiestos, tampoco se desarrolló un estilo colectivo.

Se destaca dentro de este grupo, Wassily Kandinsky (1866-1944). Considerado como uno de los más brillantes teóricos del siglo. En la circular de fundación Kandinsky anotaba que la meta de los artistas debía ser una creación que reunieran las impresiones tanto del mundo exterior como del interior en una nueva forma de expresión artística “A través de  la fundación de nuestra asociación, esperamos conceder una forma material a las relaciones entre artistas, que nos dará la oportunidad de hablar a la opinión pública con una sola voz”. Las características comunes de este grupo son el dinamismo y el simbolismo en el uso del color y la tendencia a la abstracción.

Wassily Kandinsky ““Composición IV”, 1911

Cubismo: fue otra de las vanguardias artísticas del siglo XX y su intención fue quebrar por completo la tan conocida perspectiva, método de representación que llevó a los artistas a utilizarlo por más de seis siglos. Este nuevo lenguaje plástico se centró en incorporar dentro de un mismo plano varios puntos de vista en simultáneo, es decir, que un modelo como una naturaleza muerta se la representaba a través de diferentes planos geométricos como puntos de vistas posibles, dando el valor adecuado a su existencia física y a los espacios que la separaban.

Los pintores cubistas fueron  Pablo Picasso y  George Braque que  tomaban como tema el mundo cotidiano. Pero también consideraban, que los objetos y sus entornos habían de ser reestructurados en la tela blanca a fin de que la pintura tuviese carácter y fuerza como tal. El cubismo como nuevo medio de expresión artística del nuevo siglo ofrecía una serie de libertades: la libertad de abandonar el antiguo deber de imitar más o menos directamente la realidad, y la libertad de encontrar nuevos lenguajes o combinaciones de lenguajes para presentar visiones nuevas del mundo.

Se clasifico al cubismo en dos etapas, la primera se la llamo cubismo analítico, eran casi siempre temas de estudio: bodegones en su mayoría y a veces modelos con objetos. A continuación dos ejemplos:

                                                                                                        Braque “Hombre con guitarra"

Picasso: "Hombre fumando en pipa"

En 1912, la obra de Picasso y Braque cambió sustancialmente. El segundo tipo de cubismo que desarrollaron se llamó cubismo sintético, significa que las obras son creadas mediante la reunión de diferentes materiales, se incorporó el papel de diario, elementos como madera, cartón, papel, yute.

 Braque: Bodegón con naipes. 1913

Picasso: “Naturaleza muerta con silla de paja. 1912.

Surrealismo. El Surrealismo fue un movimiento literario y artístico que se sucedió en la segunda década del siglo XX, en 1924. Fue el movimiento estético más importante de entreguerras, por su fecundidad y extensión, el surrealismo proclama la necesidad de una revuelta total, utilizando el arte y el lenguaje

. Sus fines son provocar la expresión libre de aquello que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su imaginación. André Breton firma el primer manifiesto surrealista en 1924 y a través de su lectura se encuentran las bases de este movimiento: Creo en el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia contradictorios, como son el sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, de sur-realidad (por debajo de la realidad)

 El surrealismo expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente.

Recursos comunes para plasmar estos contenidos teóricos en las artes figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos, la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos incongruentes, las temáticas eróticas como referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello.

La regla era: "No aceptar ninguna idea, ninguna imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural".
"Abrir la puerta a lo irracional".
"Tan solo dar cabida a las imágenes que causen sorpresa sin pretender saber el porque"
El surrealismo rompió con las tradiciones del arte clásico, realizando así imágenes que se manifiestan en nuestro inconsciente, a través de los sueños (lo onírico), imágenes de nuestra infancia y también de nuestros miedos y amores.


Salvador Dalí Pintor, escultor, orfebre y grabador español nacido en Figueras, pequeña ciudad de la provincia catalana de Gerona, cerca de Barcelona, en 1904 y fallecido en 1989. Es el primer pintor surrealista que acepta por completo la lógica freudiana, interpretando el mundo psicológico actual en huevos fritos, teléfonos blandos, relojes blandos, armarios etc. El mundo de Dalí está muy cerca de nuestra realidad. El surrealismo de Dalí es, según él,, "una fotografía hecha a mano de los sueños".

Su juego lúgubre es un recuerdo de su psicología de infancia; muestra su freudianismo, siendo el sexo, sus fobias, sus deseos los temas que preside la obra , juntamente con la paranoia.
Siempre está el deseo de asombrar a traves de sus creativas asociaciones y el exhibicionismo de sus obsesiones sexuales. También realiza cuadros religiosos como "Cristo de San Juan de la Cruz"

Se dedicó al dibujo y a la pintura desde muy joven y en 1922 comenzó los estudios de Bellas Artes en Madrid donde conoció a Federico García Lorca
(escritor) y a Luis Buñuel, con quién hizo la película surrealista "El perro andaluz" y a Andre Bretón escritor surrealista.
Para conocer verdaderamente a Dalí hay que estar abierto, libre de prejuicios y entrar en esa mente magníficamente creativa. Nos muestra imágenes recurrentes como por ejemplo el paisaje de Port Ligat (donde vivió mucho tiempo), las rocas donde siempre veía imágenes en ellas, las sombras de los objetos, las hormigas que simbolizaban el trabajo permanente, las langostas
su mayor miedo, las gotas de sangre símbolo de las guerras mundiales, muerte, la guerra civil española.
Dalí utiliza un lenguaje simbólico en sus obras, es decir que cada imagen representa una idea, un sentimiento, deseos, miedos...

A modo de ayuda, estas son algunas de las imágenes que pintaba y sus correspondientes significados:

Simbologia Daliniana
Muletas........Apoyo en la vida
Ciprés (árbol perenne)..Muerte lejana

Langosta......Fobias, miedo.
Bigotes.........Juego con el ridículo, publicidad
Relojes blandos......Eternidad, queso camembert
Hormigas.....Laboriosidad, trabajo
Perro............Guardián de los misterios no revelados
Cajones........Memoria
Huevo..........Forma de vida latente
Zapatos.......Fetichismo Ma Mere..ma mere...ma meré
Ángeles........Poder, paz
Elementos que no caen........Átomo, neutrón
Vino – pan......Cristo humanizado
Mariposas......Liberación espiritual, igualdad
Gala................Musa inspiradora
Línea sobre la tierra plana..........Infinitud
Mar...............Misterio, unión...
León.............Padre iracundo


René Magritte 

Pintor surrealista belga (1898-1967).- Rene Magritte aporta al
lenguaje surrealista un juego entre las imágenes cargadas de humor, poesía, ambigüedad.

Magritte estuvo fascinado con la seducción de las imágenes. Por lo general cuando vemos una imagen de algo, se cree en ella, somos seducidos por ella, damos por sentado de su honestidad. Pero sabía que la representación de las cosas podían mentir, pues entonces Magritte nos hace consciente de la falsedad de muchas imágenes que vemos a diario.-
Magritte estudia la representación de los objetos cotidianos. Decide que la palabra describe una sola cosa, pero la imagen implica muchas otras, esto es el resultado de semiótica y el análisis lingüístico.-Juega con la representación de la imagen y con la palabra que la representa, cuestionando la relación entre el objeto pintado, su significación y el real.-











"Amantes" René Magritte.


Trabajo Practico 2do año: Surrealismo

Realizar 1 copia de una pintura de Salvador Dalí a elección y otra copia de Rene Magritte a elección.-

1. Observar y analizar obras de estos dos pintores y determinar que diferencias y similitudes encontrás entre los dos artistas surrealistas.- (explicación teórica-escrita)

Elementos Plásticos Básico - 1er Año.

Existen tres elementos básicos plásticos en las artes plásticas para la realización de cualquier composición , y son:

El Punto
Es el elemento plástico básico. A partir de un punto se comienza a construir. Es estático y se materializa en función al plano que lo contiene. En él se encuentra el embrión de la línea y el plano. Su forma externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométrica, etc.
La Línea. : Según Wassily Kandinsky la línea es el producto de un punto en movimiento. La línea es la sombra que deja un punto al desplazarse en cualquier dirección. Una línea es también el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o el pincel por el artista. Lo estático de un punto se transforma en dinámica de la línea.Para el artista Paul Klee, la línea es el resultado de dos puntos que se enamoran, que se atraen.

La línea horizontal se verá con relativa estática, la vertical dinámica y la línea oblicua o diagonal se verá ascendente y/o descendente.
La línea también puede ser homogénea y modulada:
Línea homogénea es cuando la línea no sufre ningún tipo de transformación, es decir, no cambia en su trayecto su grosor.(puede ser recta, curva, diagonal, vertical, etc.)
Línea modulada es cuando sí sufre variaciones en el grosor de la línea.(puede ser recta, curva, diagonal, etc.) Es un poderoso elemento de expresión,
El Plano

Es una superficie que tiene dos dimensiones: alto y largo , es por ello que se denomina plano bidimensional. Guarda características de chatura, de poca profundidad. También podemos denominara el plano como una superficie con límites.

Los artistas del siglo XX se encargaron de estudiar al plano realizando pinturas planas, fueron muchos los siglos en que predominó la perspectiva como método para  representar una imagen con profundidad.- destacamos a Paul Klee, Mondrian, Kandinsky, Malevich.

El Color
También tono, tinte o croma. Se señala como color a todas las variantes perceptivas de la sensación lumínica.
Se considera al color como manifestación de la energía solar, capaz de producir sensaciones visuales que se mueven a través del espacio bajo ondas electromagnéticas. Estas ondas se propagan en el éter a una velocidad de 300.000 Km. por segundo.
El ojo humano se presenta como un órgano limitado ya que percibe las vibraciones cuya longitud de onda oscila entre 400 y 700 milicrones ( la millonésima parte de un milímetro)a esto se lo denomina Espectro Visual.

Por debajo de la longitud de onda de 400 milicrones (Violeta) se encuentra los rayos ultravioletas por encima de la longitud de onda de 700 milicrones (Rojo) se encuentra los rayos infrarrojos que son luces invisibles (rayos gamma, rayos cómicos, rayos X, etc.).
La materia en sí misma es incolora, necesita de la luz para aparecer coloreada: afirmar por ejemplo que “este jarro es rojo” significa en realidad que la superficie del jarro tiene una composición molecular, de tal modo constituida, que absorbe todas las radiaciones luminosas que no sean rojas; al reflejar las radiaciones rojas, lo vemos de color rojo.
El negro es el caso de absorción casi total de luz, los grises parcial y el blanco la reflexión casi total de luz.

Dentro de las artes visuales estas sensaciones visuales (color) poseen características expresivas.
El color posee tres dimensiones o características:

El Valor, el Matiz, la Saturación.
El Valor se refiere al grado de luminosidad del color, es decir, a la cantidad de luz u oscuridad de un color. Los valores bajos tienden al negro y los altos tienden al blanco, también están los valores intermedios como el verde o el rojo.


El Matiz indica las diferentes variantes de tono de un mismo color. Ejemplo: azul de prusia, azul de ultramar, azul francia, azul cobalto.
La saturación o intensidad indica la potencia cromática de un color. Es decir, el color más intenso dentro de una composición , es decir, cuando por ejemplo el color rojo percibe como rojo y no como rojo anaranjado. La desaturación de un color se produce cuando un color pierde su potencia cromática , esto se realiza mezclando dicho color con blanco, negro o su complementario.
Temperatura: se refiere a la calidez o frialdad de los colores. Los colores cálidos son el rojo, naranja, amarillo y todos los que a ellos se acerquen y los colores fríos son el azul, verde, violeta y todos los que a ellos tienden. (Excéntricos y concéntricos)

CÍRCULO CROMÁTICO
En el círculo cromático encontramos los colores primarios que son el Amarillo, Rojo y Azul, de la mezcla de estos tres colores primarios o polares se forman los colores secundarios que son el Naranja, Verde y Violeta.
Amarillo + Rojo = Naranja
Rojo + Azul = Violeta
Azul + Amarillo = Verde
Los colores complementarios u opuestos son tres pares de colores(un color es primario y el otro secundario) y se encuentran en el círculo cromático opuestos el uno del otro: Amarillo - Violeta
Rojo - Verde
Azul - Naranja.

ESPACIO
Es el espacio físico, corresponde al mundo fenoménico e implica la totalidad del cosmos.
Las artes visuales históricamente se han ocupado de la simbolización del espacio. Esto quiere decir, que el hombre desde su mundo sensible, da una imagen del mundo. Esta simbolización está ligada a las diferentes visiones y a las diferentes épocas, por lo cual no hay una solo forma artística de concebir el espacio.
En términos muy generales, se pueden considerar 2 tipos de espacios diferentes en el sentido de todos aquellos que de alguna manera u otra expresan una profundidad en el plano, así, la perspectiva son espacios ilusionista. .Los otros espacios son aquellos que evocan, remiten o tienden a la bidimensión, se los pueden agrupar en espacios planimétricos o de superficie.

El espacio planimétrico o de superficie no sugiere profundidad el espacio ilusionista
si sugiere, denota profundidad en el plano bidimensional.

COMPOSICIÓN

Composición es la organización armónica del plano bidimensional. Es decir que cuando nosotros dibujamos, estamos componiendo, ordenando formas, colores dentro del plano en forma armónica,( lo hacemos de manera intuitiva) pero la armonía se dan por la relación de todas las partes que hacen a un todo armónico y donde la lectura se realiza por el todo de la composición y no por partes, es por ello que siempre debemos empezar a componer un dibujo teniendo en cuenta la idea general

Tipos de Composición: Composición dinámica, composición nucleada, y composición diseminada.

Composición Dinámica
Es cuando se establece dentro de la misma composición de movimiento y en donde todos los elementos tantos planos, líneas, formas se mueven dentro del espacio(tengamos en cuenta que la línea diagonal genera movimiento ascendente o descendente)

Composición Diseminada: Surge cuando la atracción visual es la misma en toda la superficie No se manifiesta áreas de mayor o menor fuerza.

Composición nucleada
Es aquella composición en donde se encuentran centros dominantes que genera mayor tensión , se pueden presentar en formas cerradas agrupadas dentro de la composición y como la palabra lo indica se agrupan.

Abstracción (arte no figurativo) - Figuración:

El arte abstacto se vale exclusivamente de los elementos puros, formas, líneas, colores, luz, sin ninguna intensión de representar el mundo exterior. Arte abstracto es pues, un estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

El término abstracto aplicado al arte no figurativo (que no reproduce objetos), puede parecer erróneo, por cuanto, apartarse del mundo sensible de la cual se abstrae, implica una relación con el mismo de carácter simbólico, recordatorio al mundo real.

El arte figurativo es el que expone figuras, formas que representes objetos que existen en el mundo real, se refiere a la representación de imágenes reconocibles, algunas veces de manera fiel y otras más abstraídas.

El Símbolo y el signo. El Signo es la representación material de algo, dibujo, idea, figura, sonido, que tiene carácter de convención.
El signo formula una idea, el signo es signo de algo.
El signo contiene una significación que se refiere al contenido del mismo ( a lo que significa) y tiene un significante que es la forma como lo expresa.
El signo puede ser señalativos o indicativos estos nos muestran una idea o acción.
por ejemplo: Ý la flecha es un signo grafico que nos expresa una dirección, en este caso indica que la dirección es ascendente.
Tipos de signos : signos matemáticos, signos gráficos, signos del zodíaco, etc.

El símbolo permite abarcar la totalidad de los fenómenos en los cuales se presenta lo significativo de lo sensible, “como manifestación de lo sentido”.
El símbolo en el arte es una metáfora, una imagen con significación literal, implícita o explícita, el símbolo artístico es la imagen absoluta, la emoción , la vitalidad, la identidad personal.
El símbolo es imagen, figura con que material o verbalmente se representa un concepto moral o intelectual.

La Proporción - 2° año.

La proporción 

Es una relación matemática que vincula las partes entre sí y las partes con el todo. Por medio de la proporción los artistas organizan sus composiciones, otorgándoles unidad y belleza estética.

En occidente, han predominado los cánones de proporción que derivan del arte Grecorromano. Pero estos cánones no son universales puesto que hubo otras civilizaciones en diferentes períodos históricos que emplearon distintos métodos para proporcionar la figura humana, como en los grandes monumentos.

La proporción en la figura humana

En el Antiguo Egipto, el canon de la la figura humana se establecía a partir de un módulo o unidad. Se llama módulo a una medida encontrada en el mismo 

cuerpo humano, empleada para relacionar y determinar una proporción entre sus partes, que se reconozca como una forma proporcionada y así bella y armónica.

El módulo para los egipcios fue el puño, regulador y codificador de la longitud perfecta.

El canon para el cuerpo femenino o masculino era 18 veces ese módulo. En el siglo VII se modificó y pasó a ser 21 veces ese módulo.

En la Grecia antigua, se empleó como referencia, la altura de la cabeza humana. 

De este modo, en el siglo V a.C., Policleto estableció, para la figura humana una altura de 7 cabezas.                                                                                                                                                                                                       POLÍCLETO: "Doríforo"

Lisipo: " Apoxiomenos"

7 cabezas 1/2

Posteriormente en el siglo IV a.C. Lisipo modificó este canon, dando a sus esculturas una altura de 7

  cabezas 1/2.

                                                                                           

En La Edad Media se pierden esos conocimientos debido a que                                                 la representación realista del 

cuerpo humano en sí, no interesaba en absoluto, lo importante es la historia bíblica que la imagen 

narraba, se realizaban figuras esquemáticas. 

Las ropas diferenciaban a la persona representada. En esta época en que la iglesia tenía el poder, las imágenes (el arte), sirvió como forma de educación. 

En el Renacimiento, nace una extraordinaria curiosidad por la anatomía humana, los dibujantes florentinos se interesaban por las medidas del cuerpo humano, la forma exacta de los músculos, así como el mecanismo de la expresión y los movimientos, recuperando los conocimientos de la antigüedad clásica.

Hombre de Vitruvio

(Homo cuadratus)
Leonardo da Vinci - Año1485-1490
Dibujo Longitud: 34,2 cm x24,5 cm. Galería de la Academia de Venecia
Venecia
Italia
El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1492 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. También se conoce como Canon de las proporciones humanas.

Análisis del dibujo
El dibujo está realizado en lápiz y tinta y mide 34,2 x 24,5 cm.

Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos del arquitecto de la antigua, Roma Vitruvio -De Architectura-, del que el dibujo toma su nombre. En la geometría plana Vitruvio propuso que "para que un espacio dividido en partes desiguales resulte agradable y estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor la misma relación que entre la mayor y el todo". 

El cuadrado está centrado en los genitales, y el círculo en el ombligo. La relación entre el lado del cuadrado, y el radio del círculo es la razón áurea. Para Vitruvio el cuerpo humano está dividido en dos mitades por los órganos sexuales mientras que el ombligo determina la sección áurea. En el recién nacido el ombligo ocupa una posición

 media, y con el crecimiento migra hasta su posición definitiva en el adulto.

De acuerdo con las notas del propio Leonardo en el Hombre de Vitruvio se dan otras relaciones:
Una palma es la anchura de cuatro dedos.
Un pie es la anchura de cuatro palmas.
Un antebrazo es la anchura de seis palmas.
La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas).

El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado uno de los grandes logros del Renacimiento.

El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.

La sección Aurea: La forma simétrica, estática que divide por medio de un eje en partes iguales un campo no podía complacer más al hombre. Sus preocupaciones eran más complejas. El asunto era dividir una recta en 2 partes desiguales pero en forma proporcionada resultado el todo armónico.

"Dividir una recta en dos partes desiguales de manera que la mayor se a la menor como la suma de ambas a la mayor"

El número de oro en la armonía de lo creado
El Número de Oro (F=1,6180339...) es la medida de la perfecta proporción entre dos partes desiguales. Lo importante es que se estableció un rectángulo emergentes de la proporción 1 x 0,618..esta proporción fue adoptada por todos los pintores renacentistas como medida armónica para sus cuadros. A este rectángulo se lo conoce como armónico o áureo.

Pablo Picasso - 2° año

Problemas de la pintura Pablo Picasso 

No puedo comprender la importancia que se le da a la palabra investigación en relación con la pintura moderna. A mi modo de ver, buscar no quiere decir nada en pintura. Lo importante es encontrar. A nadie le interesa seguir a un hombre que con la mirada puesta en el suelo, se pasa la vida buscando la cartera que la suerte puede poner en el camino. El que encuentre algo, sea lo que fuere, aún sin buscarlo, despierta al menos nuestra curiosidad, si no nuestra admiración. Entre los varios pecados que se me acusan, ninguno tan falso como el de mi objetivo fundamental de mi trabajo sea el espíritu de investigación. Mi objeto al pintar es mostrar lo que he encontrado, no lo que estoy buscando. En el arte no basta con intensiones y, como decimos en español: “Obras son amores y no buenas razones”. Lo que cuenta es lo que se hace y no lo que se tenía intención de hacer. Todos sabemos que el arte no es la verdad. Es una mentira que nos hace ver la verdad, al menos aquella que nos es dado comprender. El artista debe saber el modo de convencer a los demás de la verdad de sus mentiras. Si en su trabajo sólo muestra que ha buscado y rebuscado el modo que le creyeran sus mentiras, nunca conseguirá nada. Con frecuencia la preocupación de investigar ha hecho que se extraviara la pintura, y que el artista se perdiera en elucubraciones mentales. El espíritu de investigación ha envenenado a los que no comprendieron bien todos los elementos positivos y decisivos del arte moderno y les hizo tratar de pintar lo invisible, y por consiguiente, lo que no se puede pintar. Hablan de naturalismo en oposición a la pintura moderna. Me gustaría saber si alguien ha visto jamás una obra de arte natural. La naturaleza y el arte, por ser cosas diferentes, nunca podrán ser lo mismo. Con el arte expresamos nuestro concepto de lo que no es la naturaleza.

Picasso:

"Pintar como los pintores del Renacimiento me llevó unos años, pintar como los niños me llevo toda la vida"

"Si sabes exactamente lo que vas a hacer, ¿De qué te va a servir?

"Cada pintura es un frasco con mi sangre. Eso es lo que hay en ellas"

"Las ideas y sentimientos estarán permanentemente aprisionados en el cuadro. Hagan lo que hagan no pueden escapar de el y aunque su presencia no sea perceptible, forma parte esencial del mismo"

"Un cuadro tiene vida propia, como una criatura viva, y experimenta los mismos cambios que nos afectan a todos n la vida cotidiana"

"Si una obra de arte no es siempre actúa no puede ser tomada en consideración"

Edad Moderna y Contemporánea - 2do año.

• Renacimiento Desde fines del siglo XII comienza lentamente la transición de la Edad Media al Renacimiento, que estará dado básicamente en un cambio de pensamiento y en la forma de vivir del hombre basado en la difusión de las ideas del humanismo.
  
  Italia, con su revolución artística, será cabeza del mundo moderno. El bizantinismo de principios de siglo XIII, repetía mecánicamente, signos convencionales, formas estereotipadas y rígidas, será desplazado paulatinamente por la originalidad de algunos artistas que comienzan a abandonar esas maneras de representación.
  Fue un re-descubrimiento de todo el arte greco-latino. Nació como un gran amor por todo lo griego, duró 130 años y nació en Italia.-Fue en allí donde primeramente el sistema feudal dio paso al capitalismo de la burguesía. Las rutas comerciales pasaban por distintas ciudades italianas como Génova, Roma, Venecia acumulando día a día más capital,es por ello que se considera que en Italia nació el capitalismo primitivo. También a Roma los Papas deciden reconstruir la ciudad y emplean y contratan a diferentes artistas.-
  Al convertirse en la cuna del capitalismo se realizan todo tipo de operaciones bancarias y financieras. Hablan de dinero y gran parte de ello se destina al 
  
  Giotto: "Llanto sobre Cristo muerto".- Giotto di Bordone (1266-1337).
  
  El gran iniciador del Renacimiento italiano, y el primero en librarse de la influencia bizantina y expresarse en lenguaje artístico. Características: en el uso del color utiliza tonos nuevos, en sus cielos aparece siempre el azul oscuro, utiliza la luz y la sombra inspirándose en la naturaleza, desarrollo en la corporeidad de los seres y las cosas representadas, claridad en sus imágenes. Sus obras se caracterizan por un gran espíritu de humildad; es grave, reservado, lógico fácilmente comprensible porque expresa más el lenguaje popular que el culto
  Su composición está constituidas por figuras simples que no están pegadas sobre el fondo en forma mecánica, sino que se sitúan en paisajes o en arte como forma de popularidad política entre las familias más adineradas. Muchas de las palabras actuales como crédito, cheque, cuenta, giro, bancarrota han nacido en estas interiores ilusorios.
  Sus principales temas muestran la vida de san Francisco de Asís; San Juan Bautista, San Juan evangelista, en las Capillas de Bardi y Perruzi, en la Iglesia de Santa Croce, en Florencia, y la vida de Joaquín y santa Ana, en la capilla de Arena , en Padua (Italia).
  
  
  
  El denominado Quattrocentoo, comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
  La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecentto, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el primer cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo.
  Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI. Las dos ciudades más importantes para este desarrollo fueron Florencia (Firenze) y Roma.
  El Duomo (Catedral) de Florencia, Santa María del Fiore (foto), se encuentra en el centro del casco antiguo, su gran cúpula 45 m de diámetro y 100 de altura, diseñada por Brunelleschi, uno de los más grandes arquitectos renacentistas, creador de la perspectiva cónica, sistema de representación gráfica basado en la proyección de cuerpos tridimensionales en el plano bidimensional.
  
  
  
  La Pintura: En el Renacimiento la pintura se destaca sobre todas las demás artes, los muros de las iglesias se recubren de grandes murales (influencia dada por Giotto más de 100 años atrás). La técnica fue la pintura al fresco hecha sobre la pared húmeda, previamente preparada con cal; los colores(pigmentos) se disuelven en agua de cal y se aplica con rapidez sin dar tiempo a que la capa se seque para evitar las manchas. En cuanto a la variedad de colores es escasa. Pero otra técnica, el óleo en la cual los tonos se disuelven en aceite, permitió a los artistas un tiempo mayor de ejecución, riqueza cromática mucha más amplia con posibilidad de retoques se utilizó como soporte la tela, llamándose pintura de caballete. La pincelada es lisa y los pinceles utilizados son blandos. Tema: Los temas representados en esta época fue de carácter religioso, retratos, cortesanos, escenas de batallas. La luz es fija, amarillenta , aparece el claroscuro y se define los contornos.
  
  
  Artistas del Alto Renacimiento
  Brunelleschi Filippo 1377-1446 Escultor y orfebre florentino, maestro indiscutible de la arquitectura realizada con nuevos cánones estéticos inspirados en el mundo clásico. Creador de la perspectiva y sus leyes. Obras realizadas entre los años 1419-1446: La iglesia de San Lorenzo, La Capilla de los Pazzi, La Iglesia de Santo espíritu, Y la Cúpula de Santa María de las Flores (Duomo) Catedral de la iglesia donde fue el único laico en ser sepultado.
  Ghiberti Lorenzo 1378-1455
  Florentino, escultor por excelencia de relieves , arquitecto, pintor y habilísimo orfebre también fue escultor y dejo incompleto un manuscrito que lleva por título Comentarios . En 1401 gana el concurso para realizar la segunda puerta de Baptisterio de San Juan(Florencia). A la realización de 28 paneles de dicha puerta se dedico casi 20 años de su vida “La Puerta del Paraíso” La puerta se divide en 10 paneles con bajorrelieves en bronce donde representa escenas del Antiguo Testamento:
  “la creación de Adán y Eva, el pecado original y la expulsión del paraíso terrenal”.
  “Sacrificio de Noé y su familia. al salir del arca, la embriaguez de Noé”…..
  
  
  
  Masaccio 1401-1428
  
  
  "Expulsión del paraíso"
  Poco se sabe de la formación y de la vida de Masaccio. Lo que es indudable que junto con Brunelleschi y Donatello fue uno de los artífices de esa revolución artística que caracterizó a Florencia de principios del siglo XV, preludio del humanismo. Masaccio colaboro pintando junto a Masolino en la Capilla de Brancaci en la iglesia del Carmine, punto de referencia para toda la sucesiva pintura renacentista.
  
  
  
  Donatello 1386-1466 Escultor
  Nació en Florencia. Su formación fue en su ciudad natal, donde trabajo primero como aprendiz y luego como ayudante de Ghiberti; fue amigo de Brunelleschi y Michelozzo. A partir de 14087 trabajó para la obra de la Catedral, distinguiéndose por la expresividad y plasticismo en sus esculturas. El David (en bronce)
  
  
  
  Botticelli (1445-1510)
  Alejandro Filipepi pertenece a la escuela florentina. Su carácter inquieto y nervioso se pone de manifiesto a través de la pinceladas, su línea rítmica y musical; con ella define los perfiles, marca un estilo en los rostros y manos y pone en movimiento los velos. Hacia su edad madura se hace más áspera y arrebatada su tensión lineal y los colores son de mayor contraste creando un clima dramático que deja atrás la dulzura de su juventud. Sus imágenes son de inmaterial belleza, sus madonas poseen una forma ovalada en sus rostros de melancólicos párpados bajos y labios debilitados, sus santos no gozan de un físico saludable. Las formas son alargadas, sinuosas, el detalle tratado es  minucioso
    En sus composiciones representa la hierba, la flores, los tejidos y as joyas, las figuras permanecen ajenas al tiempo como inmersas en un ensueño. "El Nacimiento de Venus "Según". Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.
  A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro(Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres.
  El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico, Botticelli lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin embargo, al prototipo de belleza botticelliana.
  
  
  Otros artistas renacentistas
  Domenico Ghirlandaio (1449-1494)
  Verrocchio (1430-1488)
  León Batista Alberti (1440-1472)
  Arnolfo Di Cambio (1245-13029)
  Fra Angélico (1400-1455)
  Filippo Lippi (1406-1469)
  Paolo Uccello (1397-1475)
  Giorgo Vasari (1511-157
  Benvenuto Cellini (1500-1571
  
  “Perseo” (con la cabeza de Medusa)
  
  
  
  
  Miguel Angel Buonarotti 1475-1564
  Escultor, pintor, arquitecto y poeta, nació en Caprese (Toscana) y vivió en Florencia hasta 1494 este polifacético artista fue discípulo de Ghilandaio pero su aprendizaje duró menos de un año, pasando a la protección de Lorenzo(el Magnífico)de Médicis y posteriormente a Roma donde contó con el apoyo incondicional del Papa Julio II y sus sucesores. Miguel Ángel un hombre inquieto y dramático, genio! vuelca en sus obras toda su agitación espiritual y los temores.
  
  
  
  
  “La Piedad” esculpida a a los 24 años de edad, fue reconocida inmediatamente como una auténtica obra maestra, representa a Cristo muerto tendido sobre las rodillas de su madre quien sostiene su carga sin parecer abrumada; se destaca la anatomía del cuerpo de Cristo sin vida, con los contornos torneados sin menor rigidez; la posición de los hombros y la caída de la cabeza conmueve por su expresión de dolor. La madre María se inclina sin lágrimas y su mano entre abierta remarca el dolor del cuerpo de Cristo. El desarrollo de los pliegues es extraordinario, recordando que esta obra escultórica esta realizada en mármol.- única obra firmada debido a que al cobrar popularidad muchos se artistas se adjudicaban su autoría, se encuentra en el Vaticano (Roma), LA CAPILLA SIXTINA de Miguel Ángel Buonarroti.
  La capilla Sixtina tomó nombre del papa que mandó construirla en 1473: Sixto IV. Aun cuando los planos los hizo el arquitecto Baccio Pontelli, fue construida por Giovannino de Dolci. Es famosa por los frescos pintados por Miguel Ángel en el techo de la capilla, el Juicio Final en la pared del altar (donde previamente estaban otros de el Perugino; famoso pintor renacentista italiano también) y otros frescos en las paredes laterales de Signorelli, Perugino, Botticelli... y otros autores renacentistas.
  
  La Capilla Sixtina de Miguel Ángel
  La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición.
  
  En 1508 el papa Julio II encargó a Miguel Ángel pintar la bóveda. La preparación de la bóveda se inicio el 10 de mayo de 1508, fecha de la firma del contrato. Hasta principios de enero de 1509, el artista debió de estar haciendo bocetos y preparando los cartones, iniciando a partir de fines de 1509. Una primera sección que emprendería la Embriaguez de Noe, el Diluvio y el Sacrificio de Noe, junto con Zacarias, Joel, la Sibila Délfica, Isaías y la Sibila Eritrea, los correspondientes Ignudi, David y Judtih en las esquinas y los lunetos de los antepasados.
  La segunda seccion, debió de realizarse entre 1509 y 1510 y comprendió la Caída y Expulsión, y la Creación de Eva, Ezequiel y la Sibila Cumana, junto con los correspondientes Ignudi y los dos lunetos adyacentes. Escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.
  
  La tercera sección se realizo en 1511, y comprendía las cuatro últimas historias: Daniel, la Sibila Pérsica, la Sibila Líbica, Jeremías y Jonás, con sus Ignudi, los correspondientes lunetos de los antepasados y en los ángulos la Crucifixión de Aman y la Serpiente de bronce. La cuarta sección, realizada entre 1511 y 1512, comprendía todos los lunetos de los muros.
  
  La representación del Juicio Final, fue encargada por el Papa Clemente VII, pero al fallecer éste, la obra quedo suspendida puesto que Paulo III retiro el encargo, que se continuará a partir de 1535 a 1541. El programa aquí representado no fue de libre elección por parte del propio pintor sino que le vino impuesto.
  
  Miguel Ángel siguió de esta manera las bóvedas de los monumentos romanos, cubriendo con su pintura todo el espacio, tratando de engañar al espectador. Los trabajos se iniciaron desde el muro situado frente al altar mayor que más tarde sería decorado con el Juicio, apreciándose en el sentido inverso al que aparecen en el Génesis. Esto ha sido interpretado por algunos especialistas como el retorno del alma hacia Dios, relacionándose con la filosofía neoplatónica que Buonarroti conoció en el palacio de los Medici.
  El programa iconográfico que observamos en la decoración no surgió del pintor ya que debió ser consensuado con el pontífice y asesorado por alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva del papa. El resultado es una de las obras maestras de la pintura, recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores.
  
  Como es característico en todas las obras de Miguel Ángel resalta la maravilla y la fuerza del color sin olvidar su admiración por la anatomía humana desnuda presente en todo el proyecto y que le costó serios disgustos debido a la inmoralidad de los desnudos. Supo incorporar el espíritu de la Antigüedad clásica a los temas bíblicos cristianos. Con Miguel Ángel se produce la destrucción del clasicismo, se tiende al manierismo (movimiento puente entre el renacimiento y el barroco). Típico de él es la eliminación del paisaje, la exaltación de la fuerza física y moral, gran vigor, escorzos violentos y enormes proporciones, gigantismo. En estos frescos se observa un elemento muy utilizado por él: la cuadratura, que consiste en fijar en la pintura una arquitectura fingida. En su obra dibuja arcos, pilastras y con esto divide las distintas escenas. Miguel Ángel lo pinto él solo sin aceptar ayuda subido en un andamio construido por él mismo.
  
  
  
  “El David” 4.37cm. de altura, escultura renacentista monumental,
  
  Mediante el arte Miguel Ángel expresa sus ideas, con un gran contenido espiritual dejando de lado el aspecto exterior de la realidad. Su formación fue clásica, es decir que se ha formado estudiando a los el arte greco-romano.
  
  
  
  
  
  
  
  
  Trabajo Practico: Miguel Ángel Buonarrotti
  Alumnos de 2do año "a" y "b"

1. ¿Quién fue Miguel Ángel Buonarroti y como fueron sus años de juventud?
2. ¿Cuáles fueron sus primeras obras escultóricas? Mencionarlas e imprimir la imagen.
3. En su estadía en Roma.¿ Que trabajos realizó? Imprimir imagen.-
4. En Florencia. Cuál fue la obra que le dio reconocimiento total a Miguel Ángel?¿Porqué y que sucedió? imprimir imagen.-
5. Cuál fue el proyecto que le encargaron Los Medici? ¿Qué sucedió finalmente?
6. La "Capilla Sixtina" fue su gran obra pictórica.¿ Donde se encuentra?- Imprimir la imagen y describir cuales fueron los temas que plasmó en cada uno de los paños?
7. ¿Qué otro fresco realizó Miguel Ángel dentro de la Capilla Sixtina, y que representaba?
8. Como arquitecto. ¿Qué importante obra arquitectónica diseño?
9. ¿Qué representaban "los esclavos" de Miguel Ángel?
10. ¿Cuál fue su última obra escultórica?

Leonardo Da Vinci 1452-1519
Hijo natural (ilegitimo) de un notario, abandono su ciudad natal (Vinci) a los 16 años para trasladarse a Florencia, donde frecuentó el taller de Verrocchio. Su ansia de conocimientos y su espíritu inquieto lo llevo a ser el hombre del renacimiento. Trabajó en Milán al servicio de los Sforza, luego Mantua y Venecia pasando por Florencia. En 1516 se trasladó a Francia, a la corte de Luis XII Y Francisco I _ donde murió- . Leonardo se dedicó a las artes, a la física, matemáticas, a la biología, anatomía, ingeniería, y la hidráulica, revelándose como escultor, arquitecto, científico y escritor, es decir, la personalidad más genial y polifacética del Renacimiento.


El esfumado (del italiano Sfumato) es una técnica de pintura que inventa Leonardo, se obtiene superponiendo varias capas (veladuras) de pintura (óleo)extremadamente delicadas y transparentes, proporcionando a la composición unos contornos muy suaves, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza para dar un efecto atmosférico, y de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista.




La Gioconda conocido también como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa. Desde el siglo XV es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.


Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm., pintado entre 1503 y 1506,y retocado varias veces por el autor.
El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Leonardo ha escrito a lo largo de su vida 6000 manuscritos que fueron hallados en el siglo XX:

Anatomía
Se propuso reunir un tratado de 120 capítulos, cuya veracidad él mismo comprobó haciendo la disección de cerca de 30 cuerpos humanos. Se trata de estudios realizados sobre los órganos respiratorios, el corazón, las vísceras abdominales, los órganos genitales, el embrión, el corazón, los vasos , los músculos y los nervios.

Concibió los huesos de las manos y piernas como palancas, accionadas por unas líneas de fuerzas llamadas músculos, así demostró con exactitud como se podía doblar un brazo.

Logró deducir, desde el punto de vista fisiológico, las leyes generales de la mecánica muscular. Fue el primero en colocar la pelvis en la posición oblicua que efectivamente ocupa, y en diseñar la forma exacta del tórax. Su descripción del corazón es casi perfecta

Hidráulica y Navegación
Se sintió atraído por el estudio del agua, elemento creador y destructor por excelencia. Sus observaciones le sirvieron para el estudio teórico de los fenómenos hidráulicos y su habilidad en el terreno de la mecánica

Arte Militar


En sus planos de maquinas bélicas. Leonardo demuestra una constante preocupación por obtener progresos mecánicos. perfeccionó las armas de la época - las hondas y catapultas - Sus ametralladoras, cañones de vapor y cañones cargador por la culata representan un gran progreso en el arte de la guerra.
El Tanque de guerra: provisto de cañones de retrocarga. Se desplaza sobre 4 ruedas independientes, con tracción humana.

La maquina de volar
Entre 1492 y 1505, las páginas de sus se llenaron de diseños y comentarios sobre la estructura de las alas y el comportamiento, en el aire, de pájaros, murciélagos e insectos. Llevando a la práctica estos estudios teóricos, logró establecer y perfeccionar en forma gradual los planos de diversos modelos de maquinas de volar. Su maquina voladora fue el Ornitóptero.
Esta maquina se componía se un marco de madera, 2 grandes alas, un sistema de cuerdas y poleas y un especie de cabrestante. El aeronauta, sujeto al marco horizontal, con los pies colocados en los estribos de cuero que se comunicaban con las alas mediante unas poleas, debían mover alternativamente ambas piernas, de arriba hacia abajo para poner las alas en funcionamiento. Al mismo tiempo debía accionar el cabrestante con los brazos y guiar el aparato.

Leonardo logró descubrir el principio mismo de los aviones actuales: la resistencia del aire, que sostiene el aparato en el espacio. 200 años antes Newton, descubrió el principio de la igualdad entre acción y reacción. Si bien sus esfuerzo a concluyeron en fracaso, ello se debió a la imposibilidad de obtener una fuerza motriz de potencia suficiente.

Paracaídas: La "carpa" piramidal, como la llamaba Leonardo, parece haber sido experimentada con éxito en la época, desde lo alto de una torre construida para tal fin.


Las investigaciones de Leonardo lo llevaron a anticipar muchos grandes descubrimientos, incluyendo los adelantos de Copérnico, Galileo, Newton y Darwin:

40 años antes de Copérnico - Da Vinci escribió, en letras grandes para destacarlo, "IL SOLE NO SI MUOVE", "el Sol no se mueve". "la tierra no está en el centro del Sol ni en el centro del universo"

60 años antes de Galileo - Sugirió que se empleara una "gran lente de aumento" para estudiar la superficie de la Luna y otros cuerpos celestes.

200 años antes de Newton - Anticipándose a la teoría de la gravedad, Leonardo escribió: "Todo peso tiende a caer hacia el centro por la ruta más corta posible". Y añadió luego "toda sustancia pesada hace presión hacia abajo y no puede sostenerse erguida perpetuamente, la Tierra toda debe volverse esférica"

400 años antes de Darwin - Leonardo ubicó al hombre en la misma amplia categoría de los micos y los gorilas y escribió: "El hombre no se diferencia de los animales excepto en lo que es accidental"


Frases de Leonardo Da Vinci

"Los cinco sentidos son el ministro del alma"

"Considerad la esperanza o el deseo de volver a nuestro lugar de origen o de regresar al caos primordial, como el de la polilla que busca la luz, o el del hombre que siempre mira hacia adelante, hacia cada nuevo verano, con nostalgia perpetua... creyendo que las cosas que anhela se tardan demasiado; y sin darse cuenta de que anhela su propia destrucción. Pero este anhelo es en su esencia el espíritu de los elementos que, habiéndose hallado prisionero dentro de la vida del cuerpo humano, desea incesantemente regresar a su fuente. Y debo deciros que este mismo anhelo es en su esencia inherente a la naturaleza"

"¡Oh necesidad admirable! ¿Qué mente puede penetrar tu naturaleza? ¿Qué lengua puede expresar esta maravilla?. Ninguna, con certeza. Es aquí donde el discurso humano se eleva hacia la contemplación de la divinidad" -
Sobre el milagro del ojo humano."

"Pues el gran amor nace de un gran conocimiento del objeto amado"

¿Cómo analizar una obra?
Para analizar una obra ya sea pictórica o escultórica en necesario tener en cuenta algunos puntos, como son:

• Tema: Todos los cuadros poseen algún tema o motivo específico o no, cada uno de los cuales transmiten un mensaje a menudo fácil de reconocer, muchas obras antiguas contienen temas religiosos, pasajes bíblicos o profano.- (representaciones sobre la mitología greco-romana). Recordemos que ya en el siglo XX, aparece un lenguaje llamado abstracción que presenta los elementos plásticos (la forma, la línea, el color..) como protagonista y sin ningún tipo de condicionamiento temático.
• Simbolismo: muchas obras utilizan un lenguaje simbólico y alegórico, es decir que los objetos no representan sólo su forma física, sino que encarnan conceptos muchos más profundos.
• Estilo o escuela: todos los períodos históricos han generado una forma, un estilo, una manera, una escuela en la obra de sus artista.-
• Técnica: la comprensión de las técnicas empleadas en una obra de arte ayuda a entenderla y apreciarla. ej. retablo: obra arquitectónica realizada sobre madera o piedra que compone la decoración de un altar; Fresco: pintura realizada sobre un revoque aún fresco (cal + arena+agua+pigmento); óleo obre madera o tela (pintura creada en el siglo XV), acrílico( pintura plástica) creada en el siglo XX, collage: técnica utilizando diferentes elementos en la misma obra.
• El espacio y la luz: los artistas buscan plasmar sus ideas, su mundo... sobre superficies planas (pintura); la escultura en el espacio tridimensional; la diversidad de formas, que dan ilusión o no a la profundidad en la superficie.- El siglo XX se a encargado de estudiar la planimetría ya que fueron muchos los años que los artistas han desarrollado la perspectiva (técnica) que se utilizó y se utiliza para darle una ilusión de profundidad al plano.-
• Interpretación personal: cada espectador tendrá su interpretación personal sobre la observación de cualquier obra, estará en relación a su sensibilidad como observador, su capacidad de contemplación, su capacidad de análisis crítico, su formación personal, sus experiencias personales. Todo aquel que se lance a explorar los significados de una obra quedará sorprendido por la multiplicidad de puntos de vista que se le ofrece, de secretos, de genialidades, de sorpresas.